Volage – Sittin’ Sideways

Volage – Sittin’ Sideways

Lorsque j’ai appris que Volage sortait un second album je me suis dis “ça peut être sympa, ils vont nous refaire le coup du Ty Segall à la française.” Le 1er single “Permanent Feeling” m’a vite confirmé cette impression de déjà vu comme aiment le dire nos amis d’Outre-Manche. C’est du garage maîtrisé qui pourrait être sur Manipulator de ce cher Ty. Puis, sort leur second single “Never Heal” et là ils font exploser mes préjugés sur ce nouvel album et me donnent plein d’espoir. Ce single est une merveille pop avec des arrangements piano cordes rappelant le meilleur de la pop anglaise des 60’s. Une fois ma curiosité attisée et à la demande de notre rédac’ chef de lui pondre un article, je décide de me jeter dans l’écoute de cet album. Récit. “Permanent Feeling”, dont nous avons déjà parlé, ouvre la première face dans la continuité de Heart Healing (premier album sorti il y a 4 ans tout de même). Puis vient “Sittin’ Sideways” qui donne à la fois son nom à l’album et annonce également sa touche pop empreinte de nostalgie. “Spleen” et “Whispers” reviennent sur des sentiers plus balisés et énergiques. Le premier, avec la participation de Nathan Roche du Villejuif Underground, martèle sa rythmique efficace digne d’un bon vieux Black Rebel Motorcycle Club. Le second, segallien à souhait (on n’oublie pas si facilement ses premiers amours), se distingue tout de même par son refrain soigné quand la fuzz s’efface au profit de la mélodie. La seconde partie de l’album confirme cette touche pop plus affirmée dans le garage de Volage. L’enjouée “Fever” se révèle parfaite pour un dimanche matin rempli d’insouciance, quand la folk “Handkerchief Waver” nous entraine au coin du feu. “Sally’s Code”, plus complexe qu’elle n’en a l’air, pourrait s’apparenter à une fusion entre un morceau des Doors et un refrain des Beach Boys. Osé, et réussi. “Never Heal”, quant à elle, clôt magnifiquement l’album. Un vrai tube pop qui donne le sourire telle la photo toutes dents dehors (signée Martin Parr) qui illustre l’album. Volage a grandi, Volage a mûri en s’éloignant de cette image de « faiseur » de garage-psyché (registre très encombré) pour trouver une identité garage-pop plus affirmée, et beaucoup plus prometteuse, dont on pouvait déjà percevoir les prémices sur Heart Healing, avec “Wait” ou “Love Is All”. La production est soignée avec de nombreux arrangements de cordes et piano. Les 4 gars de Touraine sont dans le vent et ont choisi une direction artistique qui leur va à merveille. Un bonheur. Alain Dutertre   LIRE LA CHRONIQUE DE VOLAGE – HEART...

Lire la suite

Délage – Loverboy Beatface

Délage – Loverboy Beatface

Qu’il est bon parfois d’envoyer valser ses préjugés. Si j’avais lu le communiqué de presse, je n’aurais peut-être jamais cliqué sur le lien de “Loverboy Creation”. De la pop à synthés, brrr. Même si je ne rejette pas en bloc toute musique synthétique (vouant même un culte à un certain Robert S.), j’ai globalement beaucoup de mal quand ils prennent le pas sur les guitares. Alors, une pop romantique très synthétique, il y avait de quoi me faire fuir. Et finalement ce Délage (un allemand comme son nom ne l’indique pas) a un je ne sais quoi qui m’accroche bien l’oreille. Une voix caverneuse et réconfortante qui nous susurre des mots doux (sans une once de niaiserie) sur des instrus pour le moins lo-fi et tout à fait chaleureuses (on s’imagine bien danser en tongs un cigare au bec sur “Sweet Tender Summer Apricote”). Si la nostalgie est bien présente (“Sun Keeps Raining Down”), rien de pompeux ni de plombant dans ce disque, Délage se distingue au contraire par une simplicité somme toute rafraichissante. Ne nions pas qu’une certaine monotonie peut pointer le bout de son vilain nez par moments (on vous a dit qu’il y avait beaucoup de synthés ?), mais au final le plaisir d’écoute l’emporte haut la main (la guillerette “I Need Love” ou la délicate mélopée enfumée de “Dream Of Me”). Et les imparables tubes “Loverboy Creation” et “Call Me Today” achèvent de convaincre. On a beau dire, on a beau faire, de bonnes mélodies ça reste l’arme ultime en musique… Et avec ça on peut flinguer bien des préjugés. Jonathan Lopez Délage – Loverboy Beatface by...

Lire la suite

Ty Segall – Freedom’s Goblin

Ty Segall – Freedom’s Goblin

Copie suivante. Ty Segall. Ah je l’aime bien ce petit. Il a des facilités, il est créatif. Et bosseur avec ça. Je note quand même que ces derniers temps, il s’est un peu reposé sur ses lauriers. Avant il avait tendance à rendre trois fois plus de devoirs que ses camarades, il arrêtait pas et y avait quasiment rien à redire. Il a un peu ralenti la cadence dernièrement, mais sa dernière copie était réussie. Voyons voir celle-ci. Visiblement il s’est lâché et a retranscrit tout ce qui lui passait par la tête. Bon il aurait pu faire un petit tri, c’est pas très cohérent cette affaire. Il parvient toujours à faire mouche quand il joue franc jeu et attaque bille en tête, quitte à faire plein de ratures (“Fanny Dog”, “Alta”, “She”). Et quand il se contente de faire simple, délié et joli ça fonctionne également (“You Say All The Nice Things”, “My Lady’s On Fire”). J’aime quand il canalise sa fougue de la sorte. Il serait même capable de me briser le cœur ce pti con (“Rain”). Partageur, il a permis à ses collègues préférés comme le petit Mikal d’apporter leur contribution. Ce dernier, a l’air de s’être bien amusé à manier un langage cuivré. Mais s’il est distrayant en faisant son petit numéro (“The Last Waltz”), Ty verse parfois trop dans l’excès au goût douteux quand il évoque le disco (“Despoiler Of Cadaver”) et aurait pu nous épargner quelques anecdotiques saillies (“Meaning”, “Prison”, “The Main Pretender”) et autres recyclages de ses vieilles marottes (“Talkin 3”). Le petit salopiaud me fait tout de même mentir en me pondant un gros pavé en guise de conclusion (“And Goodnight”), revisitant là aussi un de ses anciens travaux (“Sleeper”) dans un style très enlevé et électrique. Il et bon, il le sait et il m’a encore eu. C’est imparfait, c’est fourre-tout mais c’est à son image : entier, débridé et parfois même réjouissant. Il ne faut toutefois pas être trop clément sur l’appréciation car je suis persuadé qu’il est capable de beaucoup mieux : Trop brouillon. De bonnes idées mais attention à ne pas trop se disperser. On attend plus de rigueur sur le prochain devoir. 13/20 JL Freedom’s Goblin by Ty Segall LIRE LA CHRONIQUE DE SLEEPER LIRE LA CHRONIQUE DE MANIPULATOR LIRE LA CHRONIQUE DE EMOTIONAL MUGGER LIRE LE REPORT DE SON CONCERT AT THE CHAPEL (SAN FRANCISCO) EN...

Lire la suite

Lee Ranaldo – Electric Trim

Lee Ranaldo – Electric Trim

Les temps changent et les gens évoluent. Même nos héros, il faut l’accepter. La jeunesse sonique de Lee Ranaldo n’a jamais semblé si loin. Après avoir tout cassé, poussé ses guitares dans leurs retranchements parfois insoupçonnés, Lee Ranaldo souhaite désormais faire de belles chansons. Il n’y a rien de mal à ça. Déjà c’est pas tout à fait nouveau (Between The Times And The Tides et Last Night On Earth partaient déjà dans cette direction mais restaient connectés au passé) et puis c’est beaucoup plus respectable que certains virages pris récemment par des groupes qu’on aimait beaucoup (Arcade Fire, Queens Of The Stone Age ou même Beck). L’album démarre par la contemplative « Moroccan Mountains » et ses arpèges orientaux en introduction. Jolie mise en route tout en douceur, malgré quelques sursauts inopinés. Ranaldo a l’air inspiré par ses voyages après la remarquable « Lecce Leaving » qui ouvrait son précédent album. « Uncle Skeleton » est un poil plus électrique mais emprunte des sentiers forts balisés avec cette touche pop/classic rock. L’audacieux Ranaldo s’offre même quelques sonorités électroniques et un final un brin épique tous choeurs dehors. Il a parlé des Beatles comme une de ses influences principales pour ce disque, on veut bien le croire. S’il n’atteint pas toujours la magie des compos des scarabées (qui a dit jamais au fond de la salle ?), la filiation est évidemment plus évidente que celles qu’on pouvait lui prêter par le passé (Velvet Underground ou Televisionquand les guitares dissonantes étaient son dada). Les harmonies ont supplanté le bruit. Le parti pris est plus assumé que jamais. Lee Ranaldo est un homme neuf, tout propre. Son chant n’a jamais été autant en avant (comme il nous l’expliquait en interview). N’allez pas croire pour autant qu’il s’est mis à hurler son bonheur sur tous les toits avec une niaiserie confondante. Non, ce disque est fortement empreint de mélancolie (l’excellente « Let’s Start Again », « Last Looks » qui s’octroie toutefois une surprenante bouffée de fraicheur lors d’un spoken word de Ranaldo dans une ambiance quasi vahinée,  « Electric Trim » qui dessine sur notre visage un petit sourire triste – franchement triste au moment des choeurs pas très inspirés). Tout en demeurant de facture assez classique (entre pop/rock et folk), Electric Trim conserve un soupçon d’originalité avec quelques audacieux pas de côté et la patte toujours affirmée de son compositeur (bien entouré, rappelons-le, de Nels Cline de Wilco, Sharon Von Etten ou l’homme à tout faire Raul Refree). On n’ira pas vous faire croire que Lee Ranaldo n’a jamais rien sorti d’aussi génial. Vous n’êtes pas totalement des buses. Ce disque est globalement très agréable à défaut d’être tout à fait renversant. En tout cas, Lee ne regarde plus dans le rétro...

Lire la suite

Queens Of The Stone Age – Songs For The Deaf

Queens Of The Stone Age – Songs For The Deaf

Bon allez, assez ricané avec le pathétique dernier album de Queens Of The Stone Age où Josh Homme s’est pris pour un chanteur rnb. Ne nous attardons pas non plus sur son prédécesseur …Like Clockwork où il se prenait pour Elton John (il l’avait même invité !) mais séduisait quand même grâce à la qualité de sa plume, de sa voix et de son groove. Revenons à la base, la sève, le nec plus ultra : ce qui fait que QOTSA est devenu QOTSA, c’est à dire, n’ayons pas peur des mots, le plus grand groupe de rock du 21e siècle. Déjà Josh Homme la jouait collectif à l’époque et il avait bien raison vu l’escouade de luxe qu’il se trimballait. Pour rappel, pour ceux qui reviennent d’un voyage sur mars, le garçon avait ni plus ni moins Nick Oliveri et Mark Lanegan à ses côtés. Et tel un PSG blindé de dollars qataris, il avait choisi de se renforcer davantage encore avec son Neymar à lui, répondant au doux nom de Dave Grohl. Rien de tel pour dynamiter les défenses. Et pourtant contrairement à ces tocards du PSG, QOTSA avait une âme et déjà un talent fou avant de gagner au loto. Il avait pondu un premier album éponyme faisant idéalement le lien avec l’après-Kyuss et le déluge à venir. Et il avait mis à genoux tous ceux qui s’étaient frottés au monumental Rated R. De la “pop” violente, planante, galvanisante, de la pop non pas à chanter sous la douche mais à hurler entre potes tellement que ça fait du bien. Tellement que c’est bon. Alors pourquoi je vous parle de Songs For The Deaf me direz-vous ? Parce qu’il a 15 ans. Et nous, chez Exit Musik on est un peu cons, quand un disque qui nous branche fête son anniv, on dégaine la plume. Cette précision inutile étant faite, on a beau dire, on a beau faire : Songs For The Deaf est quand même un putain d’album. Songs For The Deaf est un peu (TOUTES PROPORTIONS GARDÉES) à Queens Of The Stone Age ce que Nevermind est à Nirvana (vous le dites quand je vous soule avec mes comparaisons foireuses, hein ?) : le disque qui les propulse dans une nouvelle dimension, qui ringardise les autres productions rock de son époque, le disque blindé de tubes qu’on a tous entendus 400 fois (400 000 pour Nevermind), le disque pour lequel on aime bien prendre notre air snob et hautain parce qu’il est devenu trop convenu de l’aimer. Mais surtout le disque que quand tu le remets sur ta platine, tu kiffes ta race. Et c’est quand même ça qui compte, au final. Parce que...

Lire la suite