Pearl Jam – Yield

Pearl Jam – Yield

L’été prochain je passe mon bac PJ avec trois épreuves de 3h chacune dans 3 villes d’Europe (et oui, il se mérite ce diplôme !). Une épreuve ardue car on ne sait jamais sur quoi on va tomber. Alors forcément je potasse mes classiques. Assidu comme je suis, les premiers chapitres ne me font pas peur, je les maitrise sur le bout des doigts. Même sur le chapitre No Code, pas évident à retenir, je suis parfaitement serein parce que j’ai bossé dur l’an dernier. Les derniers chapitres n’étant pas les plus passionnants loin s’en faut, il y a peu de chances qu’on tombe dessus. J’ai donc décidé de mettre l’accent sur la partie Yield aujourd’hui, un programme vieux de 20 ans mais qui se porte comme un charme. C’est bien simple, quand on le relit, on se dit qu’il aurait pu être écrit hier. Allez, au boulot ! Nous sommes donc en 98. Pearl Jam se retrouve quelque peu esseulé au sein du « big four » de Seattle pour cause de suicide de chanteur (Nirvana), descente aux enfers de chanteur (Alice In Chains) ou tensions entre chanteur et ses copains (Soundgarden). Eddie Vedder, lui, va mieux. La pression médiatique est retombée, les regards commencent à se braquer sur des faisceaux autres que Seattle et en s’affranchissant des codes Pearl Jammiens (No Code, 1996), égarant ainsi quelques adeptes en chemin, Pearl Jam s’est donné de l’air. Avec Yield, il revient sur un sentier plus balisé. La production, un temps envisagée seul, est finalement confiée au bon vieux fidèle Brendan O’Brien qui s’est battu pour ne pas rester sur la touche. L’unité du groupe est de plus en plus probante. Chacun y va de sa contribution, les débats sont ouverts. Ensemble tout devient possible. Il est loin le temps où Stone Gossard arrivait avec ses compos clés en main. Très vite, Pearl Jam fait de nouveau parler de lui en pondant un bon gros single. Un beau jour, bloqué par la neige, Mike McCready s’emmerde chez lui, prend sa gratte et brode un merveilleux riff aussi limpide que virevoltant. « Given To Fly » est (presque) né. On pense d’abord à une ballade tout en douceur mais le morceau vire à l’épique sur l’explosion du refrain. Un classique supplémentaire dans la besace. Et un carton sur les ondes. Le même jour, McCready écrit « Faithful », autre point culminant du disque. Une fois de plus, l’intro tout en délicatesse est trompeuse, le titre prend son envol ensuite. Pour la petite histoire, Mike avait écrit deux parties distinctes : l’intro et la partie principale (bien plus burnée) et ne trouvait pas comment raccrocher les wagons. Il appelle alors Stone pour lui jouer les deux parties en...

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No Age – Snares Like A Haircut

No Age – Snares Like A Haircut

Tic tac. On court toujours après le temps. Le travail nous bouffe les trois quarts de notre temps, on n’a jamais le temps de voir ce très bon ami un peu perdu de vue, pas le temps de passer un coup de fil à mère-grand, pas le temps de dévorer tous ces passionnants bouquins qui nous attendent sur une pile, pas le temps de nous refaire l’intégrale de X-Files. Foutu temps de merde. Pour No Age, le temps n’est pas un souci. Il le prend toujours de court. Après un arrêt au stand prolongé, le bolide californien revient à toute berzingue pour une nouvelle course contre-la-montre. En 39 minutes et 12 secondes, il expédie 12 morceaux concentrés de rage, d’énergie… et de bonnes mélodies. Départ pied au plancher avec “Cruise Control” et No Age n’appuie sur la pédale de frein que pour s’octroyer quelques parenthèses expérimentales bien troussées (le morceau-titre qui verse dans le shoegaze, ou l’étrange “Squashed” aux faux-airs de… Chemical Brothers), perçues comme autant de bouffées d’air frais au milieu de ce grabuge sonore incessant. Pour le reste, c’est simple comme bonjour et bigrement efficace comme rarement. Du punk bien noisy, des mélodies dotées d’un soupçon d’insouciance souillées par 42 couches de guitare plus crades les unes que les autres (l’incandescente “Tidal”, la survoltée “Drippy”). La bonne vieille formule qu’on aime. Et quand le riff de “Soft Collar Fad” évoque celui de “Been A Son” de Nirvana, il fait passer ce dernier pour une gentille comptine inoffensive. La facette grungy est également dignement représentée sur la plus modérée mais tout aussi (sinon plus) réussie “Send Me” où Dean Allen Spunt (batteur/chanteur un chouïa plus hargneux que Phil Collins) adopte un chant mélancolique du plus bel effet. Difficile de retenir un titre plutôt qu’un autre dans ce disque furieusement énergique qui parvient à éviter plutôt bien la redite et où chaque riff concourt au titre du “plus efficace, tu meurs“. Une chose est sûre : une fois adopté Snares Like A Haircut, vous ferez toujours en sorte de trouver le temps de l’écouter. Jonathan Lopez Snares Like A Haircut by No...

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Turbonegro – ROCKNROLL MACHINE

Turbonegro – ROCKNROLL MACHINE

Recroiser un vieux pote après une longue période d’absence peut être étrange. Surtout quand celui-ci compte beaucoup à vos yeux. Chacun fait sa vie, évolue, et on se demande si l’on sera encore sur la même longueur d’ondes. Je n’avais plus vu Turbonegro depuis un bon moment. La dernière fois c’était il y a six ans, en 2012, période Sexual Harasment. D’abord troublé, j’avais finalement été emballé par ce qu’il était (re)devenu, bien aidé par sa nouvelle voix, le Grand-Breton Tony Sylvester, qui lui avait redonné une jeunesse après le départ du tout aussi grand (par le talent) que gros (par le tour de taille ), Hank von Helvete. Mais 2012, c’est loin. J’avais continué à entendre parler de TRBNGR, et principalement de ses derniers concerts. Et ceux-ci m’inquiétaient pas mal, notamment quand il reprenait du Queen ou revisitait ses propres morceaux en les badigeonnant de synthé. Parce que oui, on évolue tous plus ou moins, mais pas toujours de façon parallèle. Turbonegro a en effet depuis 2015 une nouvelle fréquentation, un mec qui s’appelle Haakon-Marius Pettersen. Claviériste de son état. Et ils ont l’air de très bien s’entendre. Attention, je n’ai rien contre le type en lui-même (qui m’a l’air fort sympathique), ni contre le clavier en général. L’apport minimaliste de Pål Pot Pamparius à Turbonegro a été selon moi énorme. Mais Turbonegro semble avoir embrassé ce nouveau membre au point de lui donner une place prépondérante à ses côtés, parfois même au détriment du reste. Quoi qu’il en soit, ce ROCKNROLL MACHINE signe donc pour moi des retrouvailles marquées par l’attente, l’espoir et l’inquiétude. Est-ce que ce que j’ai entendu est vrai ? As-tu à ce point changé Turbonegro ? Pouvons-nous encore nous entendre ? Parlons-en autour d’une bière. 20 ans jour pour jour après Apocalypse Dudes, Turbonegro tient tout d’abord à me rassurer, il est toujours celui que j’ai aimé. Preuve en est ce “Part II: Well Hello”. 1 minute 53 de pur bonheur qui rappelle les bases : “We are just living for the week-end / We are just dying for the show”. Simple, redoutablement efficace, de l’instant classic dans la grande tradition d’ouverture d’album comme Turbonegro sait si bien le faire. Mais cette voix robotisée sur l’intro du titre suivant, l’éponyme mais orthographiée différemment “RockNRoll Machine“, me fait comprendre que quelque chose cloche. Ces effets synthétiques, ce bridge de chœurs féminins, ce clavier omniprésent… TRBNGR, my old friend, ne filerais-tu pas de mauvais collants fluo te conduisant tout droit vers les sombres abîmes du hard rock ? Par le passé, tu as flirté avec cette frontière mais tu es toujours parvenu à t’en sortir, même quand je te trouvais en manque d’inspiration, comme sur...

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Kaviar Special – Vortex

Kaviar Special – Vortex

Avertissement de la rédaction : “Aucune plainte pour dépendance ne sera acceptée après la lecture de cet article, nous vous avons prévenus avant que vous ne vous lanciez dans l’écoute de cet album.” Après un second opus sobrement intitulé #2 sorti en 2016, les rennais ont sorti fin janvier dernier leur troisième LP, toujours sous l’excellent label français Howlin’ Babana Records affublé d’une magnifique pochette signée Valentin Pinel. Ici pas de chichi, un seul et unique maître mot : E.F.F.I.C.A.C.I.T.É. Les tubes Garage-Psyché-Surf s’enchainent sans vous laisser de répit pendant 40 minutes de pur plaisir auditif non dissimulé. De l’énergique “Run Away” qui ouvre l’album à “Scattered (All Around)” en passant par la bluesy “Back To School”, les rageuses “The Draugr” et “Busted” ou la planante “Roadhouse”, pas même le temps de lever votre gras du canapé pour prendre une binouze bien méritée dans le frigo. Vous serez emportés dans cette tempête sonique avec quelques sonorités qui vous rappelleront leurs inspirations (Thee Oh Sees, Ty Segall, Black Lips…) mais disséminées plus subtilement que sur leur précédent opus. Les influences ont été digérées et le groupe affirme plus fermement son identité sur ce disque. Tout est bon dans le Kaviar, les riffs sont accrocheurs et la rythmique prendra possession de votre corps quitte à vous retrouver seul au milieu de votre salon à faire du headbanging et du air guitar tel un ado boutonneux sous le regard ahuri de la voisine d’en face. On a hâte de vivre ces morceaux en live et de se déchainer joyeusement dans la fosse pour la release party au Point Ephémère (Paris) le 16 février prochain. Avec Vortex, Kaviar Special prend son envol et confirme qu’il est en train de devenir le groupe garage-psyché français de référence. Ce troisième album est la première grosse claque de l’année et c’est avec un certain plaisir masochiste que l’on tend l’autre joue. Alain...

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Walking Papers – WP2

Walking Papers – WP2

La renommée de Walking Papers en France étant somme toute modérée malgré son casting luxueux, ce serait mentir que de dire que ce disque était plus qu’attendu. Il l’était, par moi en tout cas, tant sa sortie s’est faite désirer. Il y a quatre ans (déjà !), ce supergroupe de Seattle rassemblant Barrett Martin (Screaming Trees, Mad Season, Tuatara), Duff McKagan (Guns’nRoses), Jeff Angell et Ben Anderson (The Missionary Position) nous avait particulièrement séduit avec ses compos blues/grunge, beaucoup plus dans l’esprit 90s que dans les gros sabots Guns’N’Rosiens. Ouf ! Il révélait en outre Jeff Angell, chanteur au registre assez large et à la voix éraillée juste ce qu’il faut pour lui conférer un charisme certain. En 2018 donc, alors qu’on osait à peine l’espérer, Walking Papers revient et, dans un premier temps du moins, Walking Papers déçoit. Car le début d’album est un peu plan plan et peine à nous embarquer complètement : le riff de “My Luck Pushed Back” sent le réchauffé à plein nez, “Death On The Lips” est un single efficace à défaut d’être dévastateur… Mais n’enterrons point ces vieux ours avant de les avoir entendus. À y écouter de plus près, ce WP2 dispose tout de même de vrais bons moments (la superbe ballade, même si un brin cheesy, “Red And White”, la gonflée aux hormones “Somebody Else”). Mais, comme souvent, quand la sortie d’un disque est maintes fois repoussée, les attentes sont élevées et difficiles à combler. Le syndrome du “tout ça pour ça“. Si WP2 n’est certainement pas un mauvais disque, on regrette tout de même cet aspect un peu trop propret (“Yours Completely”) et un manque d’audace et d’imagination parfois criants (“Hard To Look Away” qui montre les muscles mais délaisse la finesse). Sur quelques ballades, Angell tire son épingle du jeu (“Don’t Owe Me Nothin'”) mais globalement la production gagne en épaisseur ce qu’elle fait perdre en spontanéité à l’album (“Before You Arrived” aussi puissant mélodiquement que lourdaud quand le synthé vient appuyer chaque parcelle du refrain) et la durée non négligeable du disque (plus d’une heure) se transforme vite en inconvénient. Auteur de quelques prestations mémorables en 2014, Walking Papers sera certainement à ne pas manquer s’il pointe le bout de son nez sur scène et on ne doute pas un instant que certains morceaux s’intégreront parfaitement dans la nouvelle setlist. D’ici là, on risque de se réécouter plus volontiers le premier album qui reste un cran au-dessus de ce successeur. JL   LIRE L’INTERVIEW DE WALKING PAPERS LIRE L’INTERVIEW DE BARRETT...

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Neutral Milk Hotel – In The Aeroplane Over The Sea

Neutral Milk Hotel – In The Aeroplane Over The Sea

Un morceau qui commence par “I love you Jesus Chriiiist, Jesus Christ i love you” soit ça craint pas mal, soit ça cache quelque chose de pas net. Avec Neutral Milk Hotel, on penche pour la deuxième option. Les textes de Jeff Mangum (dont l’une des principales inspirations admises est le journal d’Anne Frank) parlent autant de garçon à deux têtes, que de roi carotte, de soeurs siamoises dévorées par un monstre, de parents cannibales, d’enfants enterrés vivants… que de Jesus Christ. Alors vous l’interprétez comme vous voulez mais le coup de l’admiration béate pour le divin enfant on a bien du mal à y croire. De l’admiration béate c’est toutefois ce que vous éprouverez sans doute si vous avez le bonheur – comme moi il n’y a pas si longtemps – de découvrir l’œuvre immense que constitue ce survol de la mer en aéroplane. Jeff Mangum et ses comparses se livrent à un gigantesque bordel foutraque où la folk débraillée le dispute au punk lo-fi débridé. Il n’y a pas deux groupes comme Neutral Milk Hotel mais il existe de multiples raisons de les aimer. Les réfractaires au folk un peu trop sérieux trouveront là des jerricans d’essence pour enflammer leurs préjugés, les allergiques au punk “trop répétitif” jubileront face à la richesse de ces compos, qui conservent l’esprit punk originel de part sa spontanéité et embellit l’affaire avec une prose inégalée et des détours en territoire champêtre, à grands renforts de cuivres tantôt hystériques tantôt désabusés. Jeff Mangum n’en fait pas des caisses, ne cherche pas la justesse à tout prix, il balance aux orties tout carcan, tue dans l’œuf toute idée furtive d’autocensure, n’hésitant pas à s’envoler dans des aigus qu’il est bien incapable d’atteindre sans partir en vrille complet. Il vit sa musique à 1000%, y laisse son âme, ses tripes, son sang, sa bile, et ses cordes vocales, mises volontairement à rude épreuve. C’est beau à en pleurer (“Communist Daughter”, la déchirante “Oh Comely”, la faussement simple mais véritablement grandiose “In The Aeroplane Over The Sea”), c’est renversant d’intensité (l’irrésistible “Holland, 1945” et sa fuzz qui vient pimenter les débats) et c’est parfois même tout ça à la fois (“The King Of Carrot Flowers, pt 2”, l’invraisemblable “Untitled” où se mêlent cornemuse, grosse disto et tour de manège désenchanté). Cette omniprésente (mais bien accompagnée) guitare acoustique semble être jouée devant nous, dans notre chambre, comme si chaque chanson nous était adressée directement, que l’on partageait quelque chose d’intime avec son auteur, qui nous a accordé le privilège de nous ouvrir la porte de son univers. C’est trop d’honneur qui nous est fait et trop de bonheur qui nous est offert....

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Ty Segall – Freedom’s Goblin

Ty Segall – Freedom’s Goblin

Copie suivante. Ty Segall. Ah je l’aime bien ce petit. Il a des facilités, il est créatif. Et bosseur avec ça. Je note quand même que ces derniers temps, il s’est un peu reposé sur ses lauriers. Avant il avait tendance à rendre trois fois plus de devoirs que ses camarades, il arrêtait pas et y avait quasiment rien à redire. Il a un peu ralenti la cadence dernièrement, mais sa dernière copie était réussie. Voyons voir celle-ci. Visiblement il s’est lâché et a retranscrit tout ce qui lui passait par la tête. Bon il aurait pu faire un petit tri, c’est pas très cohérent cette affaire. Il parvient toujours à faire mouche quand il joue franc jeu et attaque bille en tête, quitte à faire plein de ratures (“Fanny Dog”, “Alta”, “She”). Et quand il se contente de faire simple, délié et joli ça fonctionne également (“You Say All The Nice Things”, “My Lady’s On Fire”). J’aime quand il canalise sa fougue de la sorte. Il serait même capable de me briser le cœur ce pti con (“Rain”). Partageur, il a permis à ses collègues préférés comme le petit Mikal d’apporter leur contribution. Ce dernier, a l’air de s’être bien amusé à manier un langage cuivré. Mais s’il est distrayant en faisant son petit numéro (“The Last Waltz”), Ty verse parfois trop dans l’excès au goût douteux quand il évoque le disco (“Despoiler Of Cadaver”) et aurait pu nous épargner quelques anecdotiques saillies (“Meaning”, “Prison”, “The Main Pretender”) et autres recyclages de ses vieilles marottes (“Talkin 3”). Le petit salopiaud me fait tout de même mentir en me pondant un gros pavé en guise de conclusion (“And Goodnight”), revisitant là aussi un de ses anciens travaux (“Sleeper”) dans un style très enlevé et électrique. Il et bon, il le sait et il m’a encore eu. C’est imparfait, c’est fourre-tout mais c’est à son image : entier, débridé et parfois même réjouissant. Il ne faut toutefois pas être trop clément sur l’appréciation car je suis persuadé qu’il est capable de beaucoup mieux : Trop brouillon. De bonnes idées mais attention à ne pas trop se disperser. On attend plus de rigueur sur le prochain devoir. 13/20 JL Freedom’s Goblin by Ty Segall LIRE LA CHRONIQUE DE SLEEPER LIRE LA CHRONIQUE DE MANIPULATOR LIRE LA CHRONIQUE DE EMOTIONAL MUGGER LIRE LE REPORT DE SON CONCERT AT THE CHAPEL (SAN FRANCISCO) EN...

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Shame – Songs Of Praise

Shame – Songs Of Praise

En ce début d’année, musicalement ça se passe outre manche. Au sud de Londres, dans le quartier de Brixton pour être exact, avec Shame. Si les 5 garçons attirent les regards depuis plusieurs années grâce à des prestations scéniques énormes (au point d’être adulés par Warpaint depuis leur passage au Pitchfork Festival) il en est autrement sur disque car jusque-là Shame n’avait rien sorti hormis quelques titres balancés au compte gouttes. Il faudra attendre ce début d’année pour que leur premier album, Songs Of Praise, voit enfin le jour. Étiquetée Post Punk, la musique de Shame pourrait bien en épater plus d’un car elle puise sa force dans un étalage bien plus vaste, celui du rock Britannique dans son ensemble. En digne héritier des Clash, Gang Of Four, ou encore The Fall, le quintet exécute en toute maîtrise des compositions aussi prenantes que fascinantes (au rayon tubes immédiats, signalons “Concrete”, “Dust On Trial” ou la quelque peu dérangée “Donk”… mais il y a l’embarras du choix). Shame casse la baraque comme leurs confrères de Sleaford Mods et de Idles avant eux. Ils ont cette niaque communicative, mais savent aussi calmer le jeu, preuve en est avec “Angie” qui clôture avec brio ce disque. Shame offre un nouveau souffle au Rock made in UK. Seulement 10 pistes, concis mais efficace, et que son leader Charlie Steen garanti sans “bullshit”… On ne peut que confirmer. Voilà donc une belle manière de commencer l’année et de débuter une discographie. Brexit ou pas, Shame est bien décidé à franchir les fontières de la Grande-Bretagne. Ils seront d’ailleurs de passage en France au printemps à Paris, Lille et Bordeaux, autant dire qu’il serait dommage de les louper....

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King Gizzard & The Lizard Wizard – Gumboot Soup

King Gizzard & The Lizard Wizard – Gumboot Soup

Des morceaux épiques commençaient Polygondwanaland (“Crumbling Castle”) et Flying Microtonal Banana (“Rattlesnake”) et j’ai beaucoup aimé ça. Ici, l’attaque est plus légère mais seulement en apparence car la petite guimauve d’intro comporte quelques boucles vicelardes. Puis, dès le second morceau, “Greenhouse Heat Death”, on part sur une ambiance malsaine et brutale rappelant plutôt Murder Of The Universe. Ensuite, “Barefoot Desert” nous ramène à Paper Mâché mais en plus psychédélique encore. Je pourrais continuer comme cela mais en gros, on a affaire ici à un album qui enfonce le clou des gimmicks gizzardiens (par exemple, je mets toujours 10 écoutes à comprendre ce que font les deux batteurs). Ils creusent leur sillon mais sans que ça fasse “recette”. Si leur musique était une accumulation de bonnes idées, le public se serait déjà barré mais je vois que nos amis australiens gagnent en popularité. Non, ils ont une dimension en plus qui transcende (ça y est, je l’ai placé !) les genres. Peut-être juste une intelligence et état d’esprit à part. Ceci dit, il faut l’avouer, cet album manque un peu de maturation, challenge des 5 albums 2017 oblige. Y a des longueurs… Mort de soif, je ne suis jamais arrivé au “Last Oasis”… Alors, on est content quand “All Is Known” arrive avec son rythme millimétré, son riff tout simple, son son de gratte particulier (toujours le truc microtonal ?), final stoner et tout et tout. Bon, voilà, je reste preneur de KGATLW mais je viens de réécouter “Open Water”, une authentique machine de guerre, et on en est loin dans cette livraison du 31 décembre 2017. J’attends de voir ce que 2018 nous réserve. Peut-être après quelques jours de vacances bien méritées pour eux, non ? Manu Gumboot Soup by King Gizzard & The Lizard Wizard LIRE LA CHRONIQUE DE QUARTERS! LIRE LA CHRONIQUE DE PAPER MACHE DREAM BALLOON LIRE LA CHRONIQUE DE MURDER OF THE UNIVERSE LIRE LA CHRONIQUE DE SKETCHES OF BRUNSWICK EAST LIRE LA CHRONIQUE DE POLYGONDWANALAND LIRE L’INTERVIEW DE KING GIZZARD...

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Quicksand – Interiors

Quicksand – Interiors

Comme chaque année, les différents classements des meilleurs albums sont tombés de tous les recoins du web en décembre dernier. C’est toujours l’occasion, entre autres, de découvrir des albums à côté desquels nous sommes passés. Pour ma part ce fut le cas de Quicksand qui se retrouve dans plusieurs tops et numéro 1 du classement New Noise. Je saute alors sur l’occasion pour découvrir ce groupe qui m’était inconnu jusqu’à ce jour. Quicksand est un groupe post-hardcore américain, originaire de New York. Alors que les scènes grunge et post hardcore explosent début 90 Quicksand reste dans l’ombre de Nirvana, The Smashing Pumkins, Tool mais aussi Rage Against The Machine dont ils feront des premières parties. Le manque de succès populaire aux yeux de leurs labels et les tensions au sein du groupe mèneront à leur séparation en 1995 puis en 1999, un an et demi après une vaine tentative de reformation. 22 ans après leur second LP Manic Compression, le groupe a sorti fin 2017 Interiors en revenant à sa formation d’origine. L’album se décompose en 3 actes séparés par des interludes. Dès le début la basse de Sergio Vega (remplaçant de Chi Cheng dans Deftones depuis 2008) et la batterie d’Alan Cage assènent leurs tempos gras et ravageurs (“Illuminant”, “Warm and Low”). La guitare se fait moins incisive qu’avant tout en gardant son efficacité. Le chant de Walter Schreifels est, quant à lui, plus en émotion tout en demeurant aussi rageur. Nous sommes donc en droit de nous poser l’éternelle question : “Serait-ce l’album de la maturité ?“, la réponse est OUI ! Le second acte le confirme avec des riffs qui restent en tête (“Cosmonauts”, “Hyperion”). Schreifels se rapproche de temps en temps du chant de Chino. Le duo Vega/Cage continue d’asséner sa rythmique toolienne. Cette seconde partie se termine par l’excellente “Feels Like A Weight Has Been Lifted” aux petits accents de Rage Against The Machine. “Sick Mind” ouvre le troisième et dernier acte en restant dans la continuité du reste de l’album avant de laisser place à “Normal Love”, plus groovy et posée qui clôt cet opus. Interiors mérite plusieurs écoutes afin de dévoiler toutes ses nuances. Plus subtil dans ses compositions et au niveau du chant, le Quicksand version 2017 n’a toutefois rien perdu de son efficacité avec un duo rythmique aussi dévastateur qu’Attila et ses Huns traversant votre salon. La qualité de leur production orchestrée par Will Tip, lui-même ancien batteur, y est pour beaucoup. La rage de Quicksand est toujours présente mais le groupe a su se renouveler et regarde désormais droit devant lui, plutôt que d’avoir les yeux rivés sur le rétroviseur. C’est ce qu’on appelle un coup de maître....

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