Parquet Courts – Wide Awake

Parquet Courts – Wide Awake

Commençons par dire une ou deux saloperies. Ça fait toujours du bien. Parquet Courts fait partie de ces groupes sympas, qui sortent des albums honnêtes, un brin surcotés. S’ils n’existaient pas, ça ne changerait rien à notre vie mais on ne leur souhaite que du bien, car ce sont des passionnés, parfois inspirés et indéniablement talentueux. Modérées les saloperies, notez bien. Vous dire que ce nouvel album était attendu fébrilement de ma part serait évidemment un mensonge éhonté. Toutefois, une bonne surprise est toujours à espérer et on pouvait a minima tabler sur de nouveaux singles bien troussés comme ils en ont déjà offerts par le passé. Bingo Roberto ! “Total Football” la met d’emblée en lucarne et nous ferait presque croire qu’on manie le ballon comme personne à New York. D’autres friandises sont offertes et ne nous enlèvent pas le petit sourire satisfait qui s’est dessiné à l’écoute de ce début d’album. Tout aussi remuant (mais plus électronique) “Violence” fait le job efficacement, quand “Before The Water Gets Too High” possède la dose adéquate de coolitude avec le chant tout en détachement de ce bon branleur qu’est Andrew Savage. Entame de match réussie, donc. La suite sera plus riche en temps morts. Au niveau des gestes techniques marquants, retenons “Almost Had To Start A Fight”, entre tension et déhanchés subtils. Joga bonito. L’adversaire est au sol, le public entame une ola. Mais l’excitation retombe assez vite malgré les efforts de créativité déployés (“Normalization”, “Back To Earth”, la funky samba “Wide Awake” rigolote mais guère plus). Un débordement sur l’aile gauche avec la post punk “NYC Observation” et des grigris du feu follet “Extinction” redonnent un peu de mordant à l’affiche. Puis un petit groupe d’ultras entonnent ce qu’ils semblent considérer comme un hymne mais qu’ils sont les seuls à connaitre (“Death Will Bring Change”). Divertissant mais pas sûr que ça concurrence “You’ll Never Walk Alone” un jour. Coup de sifflet final. Pas de révolution en vue. Me voilà conforté dans mon opinion avec ce nouvel album honnête offert par ce groupe décidément tout ce qu’il y a de plus sympa mais tout de même un brin surcoté. Jonathan Lopez LIRE LA CHRONIQUE DE HUMAN PERFORMANCE LIRE LA CHRONIQUE DE SUNBATHING...

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Ramones – Too Tough To Die / Halfway To Sanity

Ramones – Too Tough To Die / Halfway To Sanity

Je ne sais pas pourquoi, j’ai ressorti deux albums des Ramones des années 80 et eu envie de les chroniquer pour vous. On parle d’une période 84-87, très resserrée donc, ce qui rend intéressante la mise en parallèle. Ces deux LP sont Too Tough To Die (1984) et Halfway To Sanity (1987). J’ai eu la flemme de me replonger dans la bio de Joey par son frangin ou l’autobio de Marky (d’ailleurs, chuicon, il était pas là à cette période) mais je me souviens que l’ ambiance au sein du groupe est toujours aussi pourrie avec les frères ennemis Joey/Johnny, la dope encore et toujours pour Dee Des et ses velléités rap et puis Richie qui se fait visiblement balader et se cassera pour permettre le retour en fanfare de Marky après Halfway To Sanity. Alors donc, ces 2 LP ? Les pochettes sont similaires, les 4 “hombres ” se détachent, un coup sur un fond bleu un peu Rencontre du 3ème type et un coup dans l’ arrière-cour d’un resto chinois. Les poses sont les mêmes, l’iconographie est en marche. Depuis le premier en 76, les Ramones sont 4 mecs debout en perfs. Finalement, en une quinzaine d’années, rien n’a changé, ou sauf peut-être les cheveux courts de Dee Dee et ses gants cloutés. La grande tendance dans chacun de ces 2 LP, c’est que les Ramones sont à la fois à la recherche du hit et d’une reconnaissance large qui se fait tarder et dans le respect d’une fan base. Pour ce qui est des hits, il y a réellement de très belles tentatives qui deviendront des classiques des Ramones sans toutefois leur ouvrir la Grande Porte. Je pense au grand “I Wanna Live” et à ce morceau totalement putassier, pourtant pas l’esprit maison, qu’est “Howlin At The Moon (Sha-La-La)”. C’est vrai que c’est sur le LP Animal Boy, non chroniqué ici, qu’on en a la plus belle illustration avec “Bonzo Goes To Bitburg ” mais l’ esprit est le même, ils en ont marre de faire “Pinhead” et de dormir dans des motels. “I Wanna Live” est classique dans la forme mais très catchy. Le fan de la première heure sera un peu dérouté par la gratte qui sonne synthé dans les ponts avant refrain. Puis, ce message vaguement positiviste (je te survivraaiii) fait très 80’s. Mais que c’est bien foutu. J’aime ! Après, on trouve du son Ramones classique mais sans sentir la recette facile. Je parle ici de “Go Lil’ Camaro Go”, “Real Cool Time” et “Bye Bye Baby” sur Halfway To Sanity ou encore à “Human kind ” sur Too Tough To Die. 100% Ramones, tout ça !! Le genre qui te maintiendra...

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God Is An Astronaut – Epitaph

God Is An Astronaut – Epitaph

Difficile de rester insensible à la musique de God Is An Astronaut. Improbable même, à moins d’être sourd. L’atmosphère déployée par leur musique est un régal. On pourrait chercher à comparer Epitaph à ses prédécesseurs et pinailler un peu pour y trouver des défauts, ce serait céder un peu trop facilement à un jugement hâtif et injuste. L’histoire de cet album est douloureuse. Sa genèse a été jalonnée de coups durs et Epitaph fait figure d’hommage à des proches du groupe et a été conçu comme une échappatoire à la douleur. Un souhait de libérer cette peine par des mélodies profondes, des envolées atmosphériques, des montées en puissance glaçantes parfaitement ajustées. En témoigne la sublime “Seance Room” qui illustre à elle seule toute l’intensité et la beauté de leurs compositions ou encore l’hypnotique “Mortal Coil”. Un équilibre parfait où tristesse, colère, espoir et autres émotions s’entremêlent, s’entrechoquent. La lumière au bout du tunnel n’est pas loin. Les irlandais nous reviennent avec un album saisissant, empreint de mélancolie, qui saura sans nul doute capter très vite votre attention et vous séduire. Julien...

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Dr. Octagon – Moosebumps: An Exploration Into Modern Day Horripilation

Dr. Octagon – Moosebumps: An Exploration Into Modern Day Horripilation

Kool Keith aka Dr. Octagon revient au bloc opératoire pour une opération chirurgicale 22 ans après le désormais classique Dr. Octagonecologyst. Un bon docteur n’est vraiment efficace que quand il est bien entouré, preuve en est cette tentative fébrile de 2006 avec l’album The Return Of Dr.Octagon qui a eu pour seul effet de nuire à la réputation du Doc. Kool Keith semble avoir reconsidéré les choses et revient cette fois-ci accompagné de ses assistants de renom, le producteur Dan The Automator, et Dj Qbert. Si chacun possède un talent indéniable dans son domaine de prédilection, cet album et le passé prouve que la formule Octagon ne peut fonctionner que lorsque les trois sont réunis. En 96, le trio avait bousculé le monde du hip hop avec un album novateur et une vision très futuriste les plaçant à une bonne longueur d’avance de leurs concurrents. Difficile d’en attendre autant en 2018, la mode des reformations suit son cours, avec son lot de déceptions. Heureusement Moosebumps: An Exploration Into Modern Day Horripilation passe le test avec succès, et redore un blason (une blouse ?) terni par une première tentative échouée. Nous voilà donc replongé au plein cœur des nineties avec ce fameux boom bap qui a pris pour l’occasion une bonne dose de botox. “Octagon, Octagon”, en guise d’introduction vous rappellera au cas où vous l’auriez oublié que le docteur est de retour. Les choses sérieuses commencent avec “Polka Dots”, sur une prod d’avant garde signée Dan The Automator, où Kool Keith balance ses rimes avec un flow et un style qui n’ont pas pris une ride, Qbert lui chauffe tranquillement ses platines et livre des scratches dont lui seul à le secret. Et ce dernier parler tout son talent sur l’instru “Bear Witness IV”, suite logique et tout aussi efficace de celle sortie deux décennies plus tôt. Autre rapprochement avec son “prédécesseur”, les puissants riffs de guitares sur les  excellents “Karma Sutra” et “Power of The World (S Curls)”, tentative initiée et déjà foutrement réussi à l’époque de “I’m Destructive”. Dans une démarche tout aussi positive il ne faudra pas passer à coté du déjanté ” Area 54″, et des plus dark “Black Hole Son”, “Operation Zero” et “Hollywood Tailswinging”. À défaut de nous projeter encore une fois dans le futur, l’ex Ultramagnetic MC’s nous fait vivre un véritable voyage dans le temps, et nous ramène à l’âge d’or du hip hop : le début des années 90 avec l’excellent “3030 Meets The Doc (Part 1)” où Dan The Automator retrouve pour l’occasion ses deux acolytes de Deltron 3030, Del The Funky Homosapien et Kid Koala. Un retour en grâce qu’on ne manquera pas de saluer. Malgré un manque...

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Courtney Barnett – Tell Me How You Really Feel

Courtney Barnett – Tell Me How You Really Feel

Du haut de ses 29 ans, on peut dire que Courtney Barnett ne chôme pas. A 24 ans elle a opté pour l’indépendance en créant en 2012 son propre label Milk! Records sur lequel elle sort ses 2 premiers EP (I’ve Got A Friend Called Emily Ferris et How To Carve A Carrot Into A Rose). Elle éclate au grand jour en 2015 avec la sortie de son très bon album Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit, et devient alors la coqueluche féminine de l’indie rock. Après un décevant Lotta Sea Lice en collaboration avec Kurt Vile sorti l’année dernière, la jeune australienne revient cette année avec son second album solo enregistré en condition live à Melbourne. Dès le morceau d’ouverture “Hopefulness” elle lance avec une nonchalance slacker la thématique de l’album “No one’s born to hate/We learn it somewhere along the way”. Elle décline en 10 chansons le fruit de sa réflexion sur la frustration engendrée par la haine et la peur. Fidèle à elle-même, elle nous laisse entrevoir tout au long de ce disque ses différentes facettes. Indie rock sur “City Looks Pretty”, “Charity”, “Help Your Self”, mélancolique sur la merveilleuse “Need A Little Time” et plus énervée sur la cobainienne à souhait “I’m Not Mother, I’m Not Your Bitch” (tout est dit en 1’50, pas plus !). Rêve de jeunesse, après avoir fait les chœurs sur un titre du dernier album des Breeders, les sœurs Deal lui rendent la pareille sur “Nameless, Faceless” et “Crippling Self-Doubt And A General Lack Of Confidence”. L’album prend fin sur une note positive avec “Sunday Roast” : “I know you’re doing your best/I think you’re doing just fine.” Contrairement à ce qu’écrivent les autoproclamés “VRP du bon goût” qui démontent gratuitement un artiste dès qu’il fait la une de plusieurs magazines, cet album est une merveille de cool attitude. Certes, il ne restera pas dans les annales de la musique mais on prend plaisir à découvrir et réécouter ces instants de vie. N’est-ce pas là l’essentiel ? Allongez-vous et préparez-vous pour une une séance de 35 minutes durant laquelle le Dr Bartnett vous montrera la voie pour prendre la vie simplement sans prise de tête. Alain...

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Pusha T – DAYTONA

Pusha T – DAYTONA

Et bien voilà, j’ai cédé ! Après de nombreuses tentatives infructueuses, me voilà enfin séduit par un de ces rappeurs “new generation” que tout le monde encense. Kanye, A$AP Rocky, Kendrick Lamar, je les ai tous testés après qu’on m’en ai dit monts et merveilles et suis resté totalement hermétique (pour ne pas dire horrifié parfois). Et sans crier gare, voilà que Pusha T a réussi à m’avoir avec ces 7 nouveaux titres qui composent Daytona. Maniant le mic depuis les années 90 au sein du duo Clipse(donc pas si “new generation” que ça…), Pusha est désormais bien plus exposé depuis qu’il est l’acolyte de la méga star Kanye West*, qui a d’ailleurs produit tout l’album et même déboursé 85 000$ pour lui offrir cette pochette bien trash. Le cliché provient d’un tabloïd, il s’agit de la salle de bains en piteux état de Whitney Houston en 2006 au sommet de son addiction. Ambiance… Après une mise en route quasi a capella, l’instru devient tapageuse. Pusha T lance la machine à tubes. “If You Know, You Know”. Now i know. Mais ce morceau n’est pas une révélation, loin s’en faut. Derrière une efficacité indéniable, un constat trompeur : ça sent le bling bling à plein nez. La frontière avec le mauvais goût est mince. La bascule du côté obscur est à craindre… Mais les craintes s’envolent, très vite. Daytona ne dure que 21 minutes, il s’y passe pourtant énormément de choses. Ses 7 titres offrent une grande diversité. Et une qualité constante. « The Games We Play » calme le jeu avec une boucle jazzy qui ne manque pas de susciter une envie frénétique de repeat, puis vient la magnifique « Hard Piano ». Presque sur la retenue dans un premier temps, l’émotion grandit au fil des secondes. Quelques notes de piano, une basse imposante, Pusha n’en fait pas trop, son flow s’accommode à merveille. Rick Ross, très en verve, y va également de son couplet. Banco. Le sample soul irrésistible du refrain de « Come Back Baby » n’est pas en reste (on pense aux plus belles pépites de RZA), l’évidence se dessine : on va droit vers un sans faute. Et en cela le choix de ramasser l’album (l’EP ?) en à peine plus de 20 minutes est judicieux : pas la moindre trace de remplissage à déplorer, un des péchés mignons récurrents du genre. Avant de conclure, Pusha T nous emmène faire un petit tour dans les bas fonds (« What Would Meek Do? », en référence à Meek Mill), sans oublier de glisser un clin d’oeil au « Hail Mary » de Tupac. Pendant qu’on y est, terminons le tour du propriétaire en n’oubliant surtout pas le puissant et émouvant « Santeria » où Pusha s’empare d’une gravité certaine. Le morceau est sublimé par le...

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Jon Hopkins – Singularity

Jon Hopkins – Singularity

Depuis quelques années, Jon Hopkins s’est imposé comme l’un des nouveaux bonhommex à suivre à la trace en musique électronique. Après quelques amuse-gueules (une BO, un EP, une mixtape) pour faire patienter les plus accros, le voici enfin disposé, 5 ans après, à offrir un successeur à Immunity, l’album qui l’a définitivement consacré. Soyons honnêtes, malgré son statut et de sérieux coups de cœur, on ne savait pas vraiment si on devait totalement se laisser aller à l’enthousiasme béat qui entoure Jon Hopkins. Oui, il a signé quelques-uns des meilleurs morceaux électro de ces derniers temps. Incontestablement. Pour autant, ce serait mentir que de dire qu’Immunity a squatté notre platine sans relâche depuis 5 ans. Car l’album demeurait assez inégal et après un début fracassant, notre intérêt s’effritait peu à peu. Singularity envoie-t-il valser les derniers doutes à son sujet ? Pas vraiment. Il confirme d’abord que certains de ses morceaux marquent les esprits. Après une longue intro où on ne sait pas trop ce qui nous attend, on se fait dévorer tout cru par la formule redoutable beats triturés-nappes envoûtantes (“Emerald Rush”). La suite est du même acabit. Les variations semblent minimes mais elles sont quasi permanentes et nous transportent. Le sommet se nomme “Everything Connected” et pendant 10 minutes il nous met cher. Les yeux se ferment, les jambes se mettent à remuer toutes seules, les battements du cœur se confondent avec les basses, tandis que la tête s’évade… Après cela, on pressent qu’on ne pourra que tomber de haut et on n’est pas très loin du compte. “Feel First Life” dont le titre ne doit sans doute rien au hasard, scinde l’album en deux et démarre alors une succession de morceaux contemplatifs où le piano occupe une place prépondérante… et l’ennui aussi. L’enthousiasme en prend un coup. On ne peut pas en vouloir au DJ de varier les plaisirs, de faire ce qu’il a envie et d’éviter ainsi la redite mais force est de constater qu’il excelle davantage dans un registre qu’on pourrait qualifier de techno cérébrale que dans de longues plages ambiantes agréables en fond sonore mais certainement pas aussi captivantes. Le père Hopkins aime décidément nous laisser dans l’indécision. Ce disque de plus d’une heure aurait pu être faramineux, il n’est finalement qu’un bon disque un peu trop long. Comme le précédent, donc. Jonathan...

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The Blind Suns – Offshore

The Blind Suns – Offshore

Surf à la main, les Blind Suns reviennent pour une session Offshore épouser les vagues généreusement nous chuchotant au passage de délicates mélopées. Un “Alligators” montre toutefois les crocs d’emblée, avec force saturation shoegazienne sur le refrain alors qu’on aurait pu s’imaginer en terrain plus accueillant de prime abord. On ne boit pas la tasse pour autant, la frayeur étant compensée par un frisson de bonheur devant l’efficacité de la bête. Nous revoilà ensuite trimballés au gré de vagues plutôt clémentes. On retrouve avec bonheur ce savoureux mariage entre une dream pop vaporeuse et une surf music légère. Les saturations shoegaziennes évoquées plus haut se faisant plutôt rares au sein d’un disque bien plus bienveillant qu’agressif. “Boundaries” et son riff entêtant nous invite ensuite à faire fi des frontières, encouragés par les voix de Dorota et Romain qui se confondent joliment. Et quand surgit l’estivale “Ride”, une furieuse envie nous gagne de quitter les flots pour retrouver l’asphalte et enfourcher la première bécane venue. Bande-son idéale pour un road trip le long de l’océan. Sous une brise légère, un petit break agréable à contempler les flots nous est également proposé (la très 80s “Hush” et son riff curesque). On prend. On pourra se montrer plus chafouin à l’égard de certains morceaux un peu trop calibrés (“Brand New Start”, “Crystallized” et leurs refrains bien clinquants), voire d’une prod résolument 80s qui fera fuir les plus réfractaires, reste d’autres motifs de satisfaction qui font pencher la balance assez nettement du bon côté (l’harmonica sacrément taquin de “Texas Sky”, entrainante en diable, la coolissime “Silent Dream” ou le beau morceau-titre éthéré). Alors que la grisaille persiste encore sur une bonne partie du territoire (attention je me transforme en Evelyne Dhéliat), ce disque des plus plaisants vous donnera des envies d’évasion, de vous jeter à l’eau… C’est toujours bon à prendre quand l’été parait encore loin. Jonathan...

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Slowdive – Souvlaki

Slowdive – Souvlaki

I had a dream. Je n’ai pas rêvé qu’il n’y avait plus de guerre dans le monde, que chaque habitant mangeait à sa faim ou que l’OM remportait une seconde coupe d’Europe. Non, trop convenu. J’ai rêvé que j’écoutais en boucle Souvlaki de Slowdive. Sans jamais bien savoir dans quel état je me trouvais, errant entre semi conscience, éveil indécis et sommeil profond. Ce rêve était une bénédiction, la douceur incarnée. A peine les paupières alourdies que « Allison » nous envoie d’emblée vers les plus hauts cieux. Le morceau se déploie sur coussins d’air. Tout flotte au ralenti, tout autour, à l’image du chant vaporeux de Neil Halstead, devenu véritable tête pensante du groupe, après un Just For A Day, réalisé de façon plus collective. Il laisse tout de même le soin à Rachel Goswell d’illuminer certains morceaux de sa voix irréelle (« Machine Gun », « Sing » notamment) et nous voilà propulsé pour un aller sans retour au septième ciel. Ce type de shoegaze-là, aisément assimilable à de la dream pop, ne fait pas dans la lacération de tympans sans vergogne façon My Bloody Valentine ou Jesus And Mary Chain. Les voix éthérées, les guitares lumineuses, les delays et reverbs à bloc, bâtissent un univers nuageux où il fait bon s’égarer totalement, oublier qui on est, où on se trouve, ou même de quoi notre minable petite vie est faite (il suffit d’écouter s’égrener les premières notes et chuchotements de Neil sur « Here She Comes » pour s’imaginer que dans l’instant présent le monde entier nous envie). Dire que certains font fortune avec des livres à la con pour gagner en confiance en soi, alors qu’il suffirait de prescrire ce disque à haute dose pour que le patient se sente pousser des ailes… M’enfin, je ne suis pas psy ni expert en développement personnel, juste mélomane. Après avoir permis à notre esprit de vagabonder en des lieux merveilleux et tout à fait indescriptibles, Slowdive nous réserve tout de même quelques sursauts de véhémence, sans jamais renier le sublime qui lui colle à la peau (« Souvlaki Space Station » dont la basse fait vrombir le sol malmène davantage nos esgourdes, « 40 Days » non dénuée d’électricité, et l’immaculée « When The Sun Hits » qui sur ses divines envolées vient toiser fièrement le mur du son). Vous l’aurez compris, dans ce Souvlaki-là comme dans les meilleures tavernes grecques, tout est de premier choix (n’oublions pas « Mellow Yellow » drapé dans son épais brouillard ou ce « Dagger » acoustique qui prouve que Halstead n’a pas nécessairement besoin de barder sa musique d’effets pour rendre ses mélodies inoubliables). Accueilli assez froidement à sa sortie par des journalistes obnubilés par la britpop, ce disque a été maintes fois réhabilité depuis et est toujours...

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Zëro – Ain’t That Mayhem?

Zëro – Ain’t That Mayhem?

“Ce serait pas le bordel ?” interroge Zëro dans la langue de Shakespeare. Un peu, oui. Et l’édifice branlant qui orne la (magnifique) pochette vient renforcer cette impression de grande instabilité. Ça part en tout sens, ça menace de se péter la gueule à tout moment. Mais ça tient bon. Car les architectes ont du talent (ils l’ont déjà prouvé au sein de Zëro mais aussi de Deity Guns et Bastard). Et les fondations basse-batterie sont solides. Étrangement quand on nous fait voir du pays (“Adios Texas”, “Recife, 1974”, “San Francisco”), le périple est rassurant, sans trop de secousses. On navigue dans des eaux post rockiennes paisibles, agréables et on arrive à destination sans encombre. Mais on l’a dit, le “bordel” est souvent de la partie. Et avec lui son lot d’incertitudes. Ainsi “Marathon Woman” qui semble plutôt apaisée de prime abord vire finalement à l’hystérie. La sérénité est toute relative dans une atmosphère où le coup de semonce n’est jamais loin (“Fake From The Start”). C’est parfois très beau mais jamais tout à fait innocent (“We Blew It”), quand il n’y a pas un je-ne-sais-quoi de malsain (“Deranged”), voire de carrément flippant (“Alligator Wine”). Ça pourrait presque être “pop” parfois (“Myself As A Fool”) mais pour Zëro ce serait un peu trop facile. Ça manquerait cruellement de chemins de traverse. Les lyonnais sont d’épatants architectes, des musiciens confirmés et on se plait à les imaginer également cinéastes. Tant leur musique se prête aux interprétations visuelles. Une chose est sûre, ils seraient des réalisateurs on ne peut plus audacieux, savourant faire bondir le spectateur de sa chaise, le laisser errant, le priver de repères pour mieux le cueillir à froid. Une autre chose est sûre, si une œuvre telle que Ain’t That Mayhem peinerait à conquérir le grand public, elle mériterait a minima une nomination aux oscars. Jonathan Lopez     Zëro se produira prochainement au Petit Bain (Paris) le 22 mai, au Grigri (Nantes) le 15 juin et au Jardin Moderne (Rennes) le 16...

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