Protomartyr – Relatives In Descent

Protomartyr – Relatives In Descent

« She’s just trying to reach you, she’s just trying to reach you, she’s just trying to reach you… » Les mots restent gravés, Protomartyr a encore fait très fort. Le ton grave de Joe Casey renforce l’impact de ses propos et certaines phrases nous reviennent en écho régulièrement (« Don’t wanna hear those vile trumpets anymore« ). Avec une entame aussi triste et fataliste que celle de « A Private Understanding », le doute n’est pas permis. Protomartyr n’est pas devenu une bande de rigolos mais il sort toujours de grands morceaux. Comme toujours avec le groupe de Detroit les morceaux sont solides, bien construits, entraînants, déroutants (tout ce que tu veux du moment que c’est positif) et se détachent à un moment par un instant de pure grâce. Comme si tout avait été construit pour aboutir à ce moment qui marque les esprits et nous submerge d’émotion. Comme ces ponts (ou refrains, on ne sait plus trop où on est) aux notes de guitare incroyablement mélancoliques et merveilleusement belles (« A Private Understanding », « My Children », « Half Sister »). Planqués subtilement au milieu du morceau, ce sont eux qui nous obsèdent et nous poussent inlassablement à la réécoute. Ils sont le sel dans vos chips, le sucre dans vos bonbecs. Même si vous savez que ce n’est pas très bon pour votre équilibre, vous en reprenez. Mais réduire tous ces brillants morceaux à des gimmicks addictifs serait profondément injuste. Il y a fort à parier que vous craquerez également pour la basse rondelette de « Here Is The Thing », les soubresauts de « My Children », que vous suivrez avec passion ce combat incessant entre violence pure, rage difficilement contenue et libération/éclaircie/soulagement (« Caitriona », « The Chuckler », « Don’t Go To Anacita »). Que vous aurez envie de croire Casey quand il vous clame que « everything is fine« , alors que le chaos règne autour de lui (« Windsor Hum »). Même quand il s’aventure sur le terrain miné de la new wave contemplative, avec un synthé qui vient déloger la guitare, Protomartyr le fait avec une classe folle (« Night Blooming Cereus »). Et sans coup férir, en prévention d’un éventuel endormissement sur nos lauriers « Male Plague » nous réinjecte une dose de punk rageur et libératoire. Et puis Casey nous remet une couche en pleine face de « she’s trying to reach you » (« Half Sister »). La boucle est bouclée et elle a une sacrée gueule. Depuis 3 disques, surtout les deux prédécesseurs pour être tout à fait honnête, Protomartyr avait mattraqué avec aplomb un message : il joue dans la cour des grands. Parmi la vague de groupes revival post punk qui sévit depuis quelques années, il y a désormais eux et le reste du monde. Le reste du monde (Traams, Frustration, Preoccupations, Institute, Ought, ….) n’est pas...

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METZ – Strange Peace

METZ – Strange Peace

Pour la première fois, METZ a choisi un nom pour son album (non, parce que II on peut pas appeler ça un nom, faut pas déconner non plus). Un nom qui a de quoi surprendre. Strange Peace de la part de cette bande de brutes épaisses c’est pour le moins… strange. D’autant qu’à l’écoute du disque on a beau chercher, on trouve difficilement une once d’accalmie dans les assauts des bûcherons canadiens. Au début du moins. METZ tronçonne, METZ ravage, METZ détruit. Et on subit. Après trois morceaux METZ pur jus, voilà un peu de répit. Un peu de nouveauté aussi, ouf. Car il faut bien le dire, à part quelques riffs bien saignants (« Drained Lake », « Cellophane ») qui viennent épancher notre soif de violence, le schmilblick messin n’avance guère et les mêmes interrogations demeurent. Oui ce groupe sait faire du bruit, du bon boucan même, mais les mélodies se font toujours trop rares, noyées sous les décombres et pas spécialement mémorables. En cela, la comparaison avec Nirvana qui leur colle aux basques depuis leurs débuts n’est guère judicieuse. Pourtant le groupe s’est payé les services de Monsieur Steve Albini ce qui n’a rien d’illogique vu que tous les groupes qui font du rock bruyant ont dû lui envoyer leur CV un jour ou l’autre. Et sans surprise, la rencontre est des plus probantes, le son respire, bien percutant et brut de décoffrage comme il faut. Comme à son habitude, le père Steve a dû laisser le champ libre à ses poulains qui, on l’a dit, se sont un peu lâchés sur quelques morceaux. Saluons à ce titre cet essai post punk même s’il ne restera pas dans les annales (« Caterpillar »), qui n’est pas sans rappeler leurs compatriotes de Preoccupations (ex-Viet Cong), la curieuse « Sink », bien moins énervée mais trop monotone ou la conclusive « Raw Materials », peut-être la plus ambitieuse du groupe à ce jour qui fourmille d’idées, de riffs nerveux et s’achève dans un fatras de tous les diables. Ça a dû plaire à Albini. Dans des registres plus communs, il faut reconnaitre que « Common Trash » qui ne s’embarrasse d’aucune espèce de retenue ou la punky « Dig A Hole » font également le boulot. Bien salement. A l’heure des conclusions, soyons simples et concis. A la METZ. Est-ce qu’on passe un bon moment quand on écoute Strange Peace ? Oui. Est-ce qu’on a souvent envie de le réécouter ? Non, sauf si on a des accès de violence. Est-ce qu’on veut entendre ces nouveaux titres en live ? Oui c’est tentant. Est-ce qu’on réécoutera ce disque dans 10 ans ? Rien n’est moins sûr....

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DAAU – Hineininterpretierung

DAAU – Hineininterpretierung

Que c’est beau l’allemand ! Pourtant je ne l’ai pris ni en option 2e ou 3e langue, je n’y comprends strictement rien et quand on décompose l’acronyme de DAAU (Die Anarchistische Abendunterhaltung!), c’est pas vraiment le premier qualificatif qui nous vient à l’esprit. Mais à l’écoute de ce nouveau disque de DAAU en forme de compilation revisitée (par Rudy Trouvé, ex-guitariste de dEUS), idéale pour pénétrer l’univers singulier du groupe, pas de doute : c’est beau l’allemand. Qu’il n’y ait pas de méprise, DAAU, n’est pas un groupe allemand mais belge (comme dEUS…), il célèbre aujourd’hui ses 25 ans de carrière et si le nom vous dit quelque chose c’est peut-être pour ses collaborations avec EZ3kiel, avec qui ils ont notamment partagé l’affiche sur la monumentale tournée Versus Tour en 2004. Un groupe avec qui ils partagent quelques points communs : un goût pour l’expérimentation, un rejet des frontières, une volonté d’explorer tous azimuts. DAAU c’est la rencontre du passé et du futur, d’instruments ancestraux et d’arrangements modernes, du jazz, de la musique classique, du rock, de subtiles touches électroniques, le tout se côtoyant joliment sans jamais s’apparenter à un affrontement (la merveilleuse « Red » en atteste à la perfection). Et pour l’auditeur, un tant soit peu curieux et ouvert d’esprit, c’est du bonheur. S’égarer en se laissant guider au gré d’une flûte (« Rabbit Eye Movement »), suivre la guillerette mais belliqueuse « Drieslagstelsel I », être charmé par l’étrange conte (en français) « Orange », savourer l’apaisante « Lounja La Gazelle », redouter l’agression d’une basse offensive, aussitôt contrebalancée par une flûte enchanteresse (« Delete Alt And Undo »), se rappeler que l’accordéon ça peut être vachement cool quand c’est pas Ivette Horner qui le tient dans ses mains « Drieslagstelsel II », se délecter d’un savoureux « Gin & Tonic », se prendre une petite averse et préférer en sourire (« Rain Song » et sa touche dub), faire un merveilleux périple entre trois destinations, pourtant pas très exotiques (« Berlin-Devanter-Antwerpen »)… En bref, vivre la musique comme une aventure, une expérience. Et avec DAAU vous avez trouvé le meilleur guide de voyage. JL DAAU sera en concert au Petit Bain (Paris) le 2...

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Sonic Youth – Dirty

Sonic Youth – Dirty

Bon, il faut se rendre à l’évidence, on est vieux. Quand on écoute un disque comme ça, qui fleure bon les années 90, par un Sonic Youth qui explore les contrées d’un rock alternatif en plein succès commercial, produit par Butch Vig, et qu’on y voit à la fois quelque chose d’incroyablement cool et dans l’air du temps, une sorte de bande son indémodable de sa vie, ça doit être qu’on est vieux. Parce que quand même, 25 ans. Aujourd’hui, le rock alternatif, on n’en parle même plus, c’est devenu du rock indé. Et ce n’est plus vraiment en plein succès commercial. Et Butch Vig, ça va faire un moment qu’il n’a rien fait. De bien, du moins. Et Sonic Youth n’existe même plus, d’ailleurs. Bref, les disques cool de notre jeunesse sont devenus de vieux disques, voire des disques de vieux, et ça, ça fait mal. Ou du moins, ça donne un coup de vieux. À l’époque, pour juger Dirty, il y avait deux écoles. D’abord, celle des puristes qui connaissaient déjà Sonic Youth depuis leurs années indépendantes et qui estimaient que ce disque n’était que trahison de tout ce que représentait le groupe. Vous imaginez, Sonic Youth, faire des morceaux accessibles !!! Ceux-là ont peut-être changé d’avis avec le temps, mais à la limite, on s’en fout : les plus récalcitrants doivent avoir un quadruple pontage vu le nombre d’infarctus qu’ont dû leur provoquer les disques du groupe depuis, de plus en plus pop. Et il y avait l’autre école, celle des petits jeunes qui découvraient à peine le groupe et qui trouvaient forcément que ce disque était une tuerie. Car Dirty contient un bon lot de tubes indéniables. Une théorie, c’est que Butch Vig a rendu le son du groupe moins abrasif, comme il l’avait fait avec TAD en 91. Cependant, vu que Goo, le disque précédent, n’était pas non plus un modèle de carnage sonore, j’en déduis plutôt que Vig était un choix du groupe pour coller avec une volonté de faire des chansons plus pop, et pas l’inverse. Quoi qu’il en soit, les longues plages expérimentales ont quasiment disparu, et le bordel sonore se retrouve surtout sur la reprise « Nic Fit » et « Youth Against Fascism », deux des morceaux que j’aime le moins. Ce dernier est un bon tube, mais un peu trop mou dans sa version studio. Pour le reste, c’est un presque sans faute : « 100% » ou « Sugar Kane » sont des tubes ultimes, Kim Gordon est magistrale (« Drunken Butterfly », « Swimsuit Issue », « Shoot », « On The Strip ») et Ranaldo n’est pas en reste avec un « Wish Fulfillment » super cool. Pour ma part, c’est le disque du groupe qui tient le mieux une écoute entière, et...

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Queens Of The Stone Age – Songs For The Deaf

Queens Of The Stone Age – Songs For The Deaf

Bon allez, assez ricané avec le pathétique dernier album de Queens Of The Stone Age où Josh Homme s’est pris pour un chanteur rnb. Ne nous attardons pas non plus sur son prédécesseur …Like Clockwork où il se prenait pour Elton John (il l’avait même invité !) mais séduisait quand même grâce à la qualité de sa plume, de sa voix et de son groove. Revenons à la base, la sève, le nec plus ultra : ce qui fait que QOTSA est devenu QOTSA, c’est à dire, n’ayons pas peur des mots, le plus grand groupe de rock du 21e siècle. Déjà Josh Homme la jouait collectif à l’époque et il avait bien raison vu l’escouade de luxe qu’il se trimballait. Pour rappel, pour ceux qui reviennent d’un voyage sur mars, le garçon avait ni plus ni moins Nick Oliveri et Mark Lanegan à ses côtés. Et tel un PSG blindé de dollars qataris, il avait choisi de se renforcer davantage encore avec son Neymar à lui, répondant au doux nom de Dave Grohl. Rien de tel pour dynamiter les défenses. Et pourtant contrairement à ces tocards du PSG, QOTSA avait une âme et déjà un talent fou avant de gagner au loto. Il avait pondu un premier album éponyme faisant idéalement le lien avec l’après-Kyuss et le déluge à venir. Et il avait mis à genoux tous ceux qui s’étaient frottés au monumental Rated R. De la « pop » violente, planante, galvanisante, de la pop non pas à chanter sous la douche mais à hurler entre potes tellement que ça fait du bien. Tellement que c’est bon. Alors pourquoi je vous parle de Songs For The Deaf me direz-vous ? Parce qu’il a 15 ans. Et nous, chez Exit Musik on est un peu cons, quand un disque qui nous branche fête son anniv, on dégaine la plume. Cette précision inutile étant faite, on a beau dire, on a beau faire : Songs For The Deaf est quand même un putain d’album. Songs For The Deaf est un peu (TOUTES PROPORTIONS GARDÉES) à Queens Of The Stone Age ce que Nevermind est à Nirvana (vous le dites quand je vous soule avec mes comparaisons foireuses, hein ?) : le disque qui les propulse dans une nouvelle dimension, qui ringardise les autres productions rock de son époque, le disque blindé de tubes qu’on a tous entendus 400 fois (400 000 pour Nevermind), le disque pour lequel on aime bien prendre notre air snob et hautain parce qu’il est devenu trop convenu de l’aimer. Mais surtout le disque que quand tu le remets sur ta platine, tu kiffes ta race. Et c’est quand même ça qui compte, au final. Parce que...

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We Insist! – Wax And Wane

We Insist! – Wax And Wane

Chez We Insist! le changement c’est tout le temps. Après avoir essuyé plusieurs mutations de line-up, la plus significative étant le passage de 5 à 3 membres sur le (remarquable) prédécesseur, cette fois-ci We Insist! s’est trouvé un nouveau bassiste, Julien Divisia, qui n’est autre que… l’ancien guitariste. Une chose est sûre, quelles que soient les formations qui s’y attellent, We Insist! n’est pas une affaire de branleurs. Ça a bossé dur encore  sur ce disque. Deux ans pour être exact. Et ça s’entend. Comme les membres du groupe ont dû prendre leur mal en patience pour aboutir à un résultat à leur convenance, il n’y a pas de raison que l’auditeur lui en profite immédiatement. Et ouais les gars, il va falloir s’accrocher. Moins immédiat que son prédécesseur, moins pourvu en riffs d’acier, Wax And Wane fait toujours preuve d’une grande richesse. Des idées en pagaille, des structures changeantes, complexes, des breaks soudains briseurs d’articulation et même des instruments plus inattendus qui s’invitent à la fête (synthés, mellotron, mandoline…). Mais une fois qu’on a souligné l’aspect technique et la construction remarquable des morceaux (et ainsi fait fuir à tort les pleutres qu’un rien effraie), ne perdons pas de vue ce qui nous attire tous, nous les mélomanes de tous bords : les mélodies. Des mélodies qui ne s’offrent pas au tout-venant mais viennent à point à qui sait attendre. Car Etienne Gaillochet (batterie-chant) connait son affaire. Alors maintenant que vous avez le mode d’emploi, une fois apprivoisés, bon courage pour vous dépêtrer de « Digital Fingers Glory », de la galvanisante « Crack The Code » et son pont Toolien, de la foutraque et sautillante « All Modulors » façon post punk qui s’ignore, de « Liquid Rat Race » et son final hystérique, de « No Cockaigne For Young Men » qui vient taper côté fusion… Bon courage, on vous dit. Et bon courage pour catégoriser tout ça, ceux qui ont essayé s’y sont déjà cassé les dents. Après cet étalage de chansons aussi étranges qu’intrigantes et attachantes, « Jaws » détonne avec son apparente simplicité où prédominent une gratte sèche et la voix d’Etienne Gaillochet. Histoire de nous montrer qu’ils savent aussi faire plus simple, et qu’il auraient très bien pu en faire de même sur tout le disque. Mais c’eût été moins excitant. On dit que les disques qui nous séduisent très (trop) vite tiennent moins la longueur que ceux plus longs à assimiler. Il y a tout à parier que Wax And Wane n’aura de cesse de dévoiler de nouveaux atouts au fil des nombreuses écoutes qui se profilent dans les prochains mois. JL We Insist! sera en concert vendredi 29 septembre au Petit Bain (Paris) avec Baron...

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The National – Sleep Well Beast

The National – Sleep Well Beast

The National. Je n’ai jamais trop aimé ni compris ce nom. Peut-être que depuis qu’ils ont débuté dans l’anonymat comme une bande de potes dans un garage, le groupe rêvait déjà d’un destin (inter)National. Aujourd’hui il y est parvenu, tout en conservant, et c’est là l’exploit le plus notable, un statut respectable, pour les amateurs d’indie rock qui n’ont pas oublié leurs débuts et n’ont pas (encore ?) été horrifié par leur évolution. Une raison toute simple à ça : The National sait écrire des chansons. Des putains de belles chansons, même. Des chansons immaculées empreintes d’une classe inimitable tout en retenue et délicatesse, et ils nous refont le coup sur ce disque (« Nobody Else Will Be There », « Walk It Back » qui pourtant se paye une intro électro qui aurait pu faire fuir les moins téméraires, les magnifiques tire-larmes « Carin At The Liquor Store » ou « Guilty Party »). A quelques exceptions près (« Day I Die » et son gimmick électrifié qu’on croirait piqué à Interpol, « The System Only Dreams In Total Darkness » et son refrain trop grandiloquent, le sirupeux « Dark Side Of The Gym », un peu trop dark side of The National), le quintet de Cincinatti joue toujours mieux que quiconque à l’équilibriste sur le fil ténu qui les sépare du rock de stade. The National partage des points communs avec Coldplay, certes, mais ne boxe assurément pas dans la même catégorie. Il conserve une exigence avec des compos recherchées, peaufinées qui évitent soigneusement la facilité (les parties de batterie toujours subtiles et incentives, « Walk It Back » et sa pincée d’électro qui vient salir le tout, « Empire Line » qui démarre de façon convenue avant un final qui grimpe en hauts cieux sans jamais perdre en finesse). Comme souvent, le ton mélancolique à outrance et la voix un brin monotone de Matt Berninger peuvent quelque peu nous faire décrocher sur la durée d’un album. En cela, le choix d’une montée d’adrénaline (« Turtleneck ») dans ce décor quelque peu policé en milieu d’album aurait pu se révéler judicieux mais ce chant criard n’est assurément pas celui qui sied le mieux à Matt. Qu’importe, loin d’être le meilleur The National, Sleep Well Beast parvient tout de même aisément à éviter l’écueil dans lequel se sont vautrés Arcade Fire et Queens Of The Stone Age cette année, et offre bien plus qu’un disque bon à jeter en pâture aux fidèles auditeurs de RTL2....

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Prophets Of Rage – Prophets Of Rage

Prophets Of Rage – Prophets Of Rage

Il fallait bien passer à l’acte, celui de l’épreuve cruciale et non sans danger de la conception d’un album. Car oui Prophets of Rage a fait ses preuves. Sur scène, la mayonnaise à pris très vite, on sent l’envie et le plaisir communicatif des membres à jouer ensemble, qui plus est pour la bonne cause, toujours le bras tendu. En studio et sur disque c’est une autre histoire. L’EP sorti en 2016 n’a eu pour seul effet que de nous renvoyer 20 ans en arrière, avec l’unique envie de nous replonger dans la discographie de leurs formations d’origines. Les quelques morceaux balancés au compte-goutte avant la sortie officielle de ce premier opus se sont eux avérés prometteurs, mention spéciale à « Unfuck The World », « Radical Eyes » et « Living On The 110″, particulièrement émérites. Mais rien n’est joué car la véritable épreuve repose sur le fait de tenir la distance sur un album complet et au premier abord, les membres de Prophets s’en sont sur ce coup-là plutôt biens sortis. Mais voilà si l’on creuse un peu, on se rend vite compte que les ex-membres de Rage Against The Machine ne sortent jamais des sentiers battus. Aucune prise de risque, ils martèlent la même formule sans relâche. Les riffs et solos de Morello sonnent souvent comme du déjà entendu, on reste sur notre faim et c’est bien dommage. Fort heureusement, Tim commerford et Brad Wilk redonnent du peps à l’ensemble en déployant une bonne dose de groove comme sur » Take Me Higher », taillée sur mesure pour Chuck D. Globalement trop propre et poli, on reprochera un manque de hargne et de brutalité, sûrement dans un souci de plaire au plus grand nombre plutôt que dans une difficulté à se renouveler. Musicalement on assiste à une révolution en demi teinte que Chuck D et B-Real peinent à tirer vers le haut. S’ils assurent toujours dans leur rôle de Mc’s, nos messagers n’ont pas la fougue ni l’énergie d’un Zack De La Rocha prêchant la bonne parole. On frôle même la catastrophe pour ne pas dire le ridicule sur « Legalize Me » où la voix trafiquée de B-Real qui ne méritait vraiment pas ça, risque d’en faire pâlir plus d’un. On le sait l’épreuve est délicate, et il est vrai qu’en un an les membres de Prophets n’ont pas chômé… Le meilleur de cet album avait déjà été dévoilé, ce qui est fort dommage, le reste n’offrant pas de réelles surprises. Une bonne marge de progression est à prévoir/espérer pour la suite, pour le moment attendons de voir comment le groupe va défendre cet album en live. Parce que c’est peut-être bien là où il est le plus fort. JR   LIRE LA CHRONIQUE DU PREMIER...

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Emboe – Aléa Deluxe

Emboe – Aléa Deluxe

Emboe est un sadique. Voilà il fallait que ça sorte, ça ne pouvait plus continuer comme ça. De longues années durant, Emboe s’est adonné à la maltraitance de guitares. Il n’avait alors pas encore de pseudo pensant bénéficier d’un relatif anonymat au sein de ses associations de malfaiteurs précédentes (Sons Of Frida, Dernière Transmission, No.On…). Mais sa réputation n’étant plus à faire, il s’est résolu à œuvrer dans l’ombre pour regagner en confidentialité. Sadisme suprême, il avait fait se côtoyer Rihanna et Sonic Youth, qui a priori n’ont pas grand-chose à se dire. Et contre toute attente, le courant était bien passé. Las de molester des guitares, Emboe s’est attaqué l’an dernier à des appareils électroniques. Une manière à lui de brouiller les pistes. Mais sa philosophie n’a pas changé d’un iota : il aime faire mal. Faire mal aux machines qu’il triture jusqu’à plus soif, et faire mal aux crânes des auditeurs. Et cette fois, il n’y va pas avec le dos de la cuillère, œuvrant pendant près d’1h20 derrière des machines entièrement soumises à son esprit malfaisant. Comme lorsqu’il assemble, bien malgré elles, tout un tas de sonorités perverties (« In Like Dead » dans un registre qui tabasse, « Feel The Same » ou « Shot Groove », quelque part entre expérimental et indus) alors qu’il est tout à fait capable de façonner des pièces bien plus faciles d’accès (« Crash Rain », « Cold Clown » et son beat outrancier). Sadique, Emboe l’est encore quand il nous laisse sous la menace d’une « Neverskin » prête à exploser mais qui se contente de nous narguer indéfiniment. Sadique toujours quand il laisse s’infiltrer une étrange beauté à cet univers inquiétant et tourmenté, ravivant à nos pauvres esprits le souvenir d’un autre azimuté de première, Aphex Twin (« Just Your Shoulder »). Ou quand il convoque My Bloody Valentine, maîtres ès maltraitance guitaristique, dans ses lentes progressions éthérées et saturées (« Somebody In The Clouds ») où peut parfois débarquer sans coup férir un beat geignard, voire génial (« Cacatoes »). Sadique et narquois quand il nous renvoie à nos heures d’ado loser se déhanchant laborieusement sur une house music entrainante à défaut d’être finaude (« Mastic Dead »), ou lorsqu’il nous pousse à la consommation de psychotropes en délivrant un groove subtil et hallucinatoire (« Pink Pussy »). Monstrueusement sadique également quand il nous inflige une basse dont on est bien incapable de se défaire (« Gosasys »), ou lorsqu’il nous livre cette superbe fin d’album (« Hope To See You Again », « Wicked Lovers ») chargée de mélancolie qui nous poussera à remettre le couvert et à repasser ainsi par tous les sentiments contraires qui...

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Dälek – Endangered Philosophies

Dälek – Endangered Philosophies

« Bonjour, mon garçon. Installez-vous et dites-moi ce qui vous amène. » « Et bien voilà, je ne suis pas comme les autres garçons de mon âge. » « Vous pouvez préciser ? » « Les autres garçons aiment le foot, les filles et les jeux vidéos. Moi j’aime les films d’horreur, les animaux morts, le feu… » « Oh là là, mais enfin mon petit Dälek vous n’avez que 10 ans, l’âge de l’insouciance. Qu’est ce qui vous attire dans tout ça ? » « J’ai une fascination pour les ténèbres. » « Ah oui quand même. Bon. On va procéder à un jeu très simple. Je vous pose des questions courtes et vous me répondez ce qui vous vient à l’esprit. Votre couleur préférée ? » « J’en aime deux ! » « Ah super, vous voyez ! Lesquelles ? » « Le noir et la couleur de la rouille. » « Hum. C’est très bien (sourire gêné). Votre animal préféré ? » « La mouche tsé tsé » (Embarrassé) « D’accord, d’accord. Je vais maintenant vous faire écouter des sons très courts et vous me dites ce qu’ils vous inspirent. » (Un oiseau qui chante) « L’ennui. » (Un ruisseau qui coule) « La tristesse. » « Avec des oreilles aussi insensibles, j’espère que vous ne projetez pas de devenir musicien ! HAHA ». Docteur Dickhead part dans un fou rire aussi bruyant qu’incontrôlable. « Je veux devenir rappeur. » « ….. » Après une longue hésitation mêlée de désarroi, le Dr Dickhead reprend la parole « J’avoue que je ne vois pas trop comment m’y prendre avec vous. Vous avez au moins une chance, vous êtes américain ! Raccrochez-vous à ça ! Vous êtes fier de votre pays ? » « Je conchie la politique étrangère des Etats-Unis et je considère le second amendement de la constitution comme une hérésie ». « Sortez de ce bureau. » Dälek ne revit plus jamais le Dr Dickhead mais il se porte aujourd’hui à merveille. Il vient de sortir un nouveau disque, Endangered Philosophies, plus consistant encore que le précédent un rien frustrant, sans jamais rien céder à ses principes. Ses textes rageurs faisant remarquablement corps avec de fascinants échafaudages sonores soigneusement élaborés (les percutantes « Echoes Of… » ou « The Son Of Immigrants », « A Collective Cancelled Thought » et ses 5 premières minutes instrumentales, « Battlecries » et son spleen écrasant). Le tout distille un sentiment étouffant palpable qui pourrait être malaisant pour l’auditeur non averti mais se révèle au contraire jubilatoire pour celui qui l’est. Dälek demeure incompris mais il n’en a cure (« a few understand what i’m talking about, whatever » clame-t-il sur « Few Understand »). Nous non plus, on se réjouit même qu’il poursuive cette route que peu d’artistes osent emprunter....

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