Pornography de The Cure a 35 ans. Chronique

Pornography de The Cure a 35 ans. Chronique

La batterie étouffée de Tolhurst, le riff lancinant de Smith qui tournoie comme un piège qui se referme. Vous voilà pris. « It doesn’t matter if we all die » (« ce n’est pas grave si on meurt tous »), nous annonce Robert Smith. Au moins c’est clair. « One Hundred Years » ne dure malheureusement « que » 6’30 mais il plante idéalement le décor. On va bien se marrer. Après le post punk brumeux mais fougueux des débuts, The Cure s’est aventuré dans les ténèbres depuis Seventeen Seconds et Faith. Et il n’a jamais eu les pieds engoncés si profondément dans ce lugubre marécage. Sur Pornography, l’aller est sans retour. Une fois la galette posée sur la platine, le mal est fait. « A Short Term Effect » semble ralentir au fur et à mesure que le morceau avance. Pour s’éteindre doucement. Comme une petite mort. Smith y occupe d’ailleurs une place quasi fantomatique, renforcée par des échos omniprésents. « The Hanging Garden », sans se dépêtrer de cette menace qui plane au-dessus de sa tête, mène une toute autre cadence. Direction le purgatoire, au petit trot. Puis vient la splendide mélancolie de « Siamese Twins ». C’est beau comme une journée sous des trombes d’eau. Les suites de notes délicates que Smith égrène sont autant de caresses réconfortantes. « Is it always like this? » semble-t-il se lamenter. Always as beautiful and sad, you mean Robert ? Sur ce disque, il semblerait bien que oui. On est en plein dans l’imagerie romantique chère à Smith… A des années lumières d’une quelconque pornographie, excepté cette absence totale de pudeur, de filtre quand il s’agit de livrer les émotions les plus glauques. La basse de Gallup auparavant si prompte à dicter la cadence, suit une batterie sentencieuse qui se fait passer pour une boite à rythmes. De temps à autre quand l’atmosphère se fait trop étouffante, une guitare aérienne fait office de lueur, vient nous rappeler qu’il ne faut pas s’en faire, que ce n’est que de la musique. Que cette musique est belle ! C’est derrière les sentiments enfouis les plus sombres, que la lueur est la plus éclatante (la colossale « A Strange Day », « The Figurehead »). Ce type de sons, vous le connaissez bien, il a été copié 4372 fois depuis. Mais qui peut égaler le son des Cure à leur sommet ? « Cold » et ses synthés mortuaires recouvre l’auditeur sous un linceul, et le laisse ruminer indéfiniment ses peurs, ses doutes et espoirs déchus. Mais ce merveilleux supplice ne prendra fin qu’avec le morceau éponyme, glaçant, où se mêlent dissonances bruitistes quasi indus, et autres cris habités. Plongée encore plus extrême dans le malsain pour mieux ponctuer un disque fondamental. Un des plus noirs qui soient. Après avoir touché les abimes (et la...

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The Clash – The Clash

The Clash – The Clash

On a tous lu les discothèques idéales de Jean-Jacques Duchmol ou Robert Brouchtar. C’est divertissant. Dedans on nous explique qu’il faut absolument posséder les premiers Oasis et que London Calling est le plus grand disque de punk qui soit. De deux choses l’une, je m’en suis toujours tamponné d’Oasis et je m’en porte pas plus mal. J’ai toujours adoré les Clash et, comme tout un chacun j’ai commencé par London Calling me considérant alors comme un vrai PUNK. Oui mais London Calling, tout mythique qu’il est (la pochette, le titre éponyme, les incursions reggae et tout le toutim, je vous ai déjà tout raconté), n’a déjà plus grand chose de punk. Si vous voulez vous la jouer punk (même dans votre salon, c’est pas grave), il n’y a pas à tergiverser 107 ans, il faut vous tourner vers L’ALBUM PUNK des Clash (et un des tout meilleurs du genre) : le premier. Et ça Robert Brouchtar a oublié de vous le dire. Laissez-moi vous expliquer. En 1977, les Clash ne savent pas jouer. Paul Simonon a sa basse en main depuis moins de 2 mois quand il rentre en studio pour la première fois. Les autres, guère plus. Peu importe, voire tant mieux. Les Clash sont limités mais ils ont en tête des mélodies, envie d’en découdre avec le pouvoir/les autorités/le système. Alors ils enregistrent 14 morceaux enervés, dont certains feront date (« London’s Burning », « White Riot ») tandis que d’autres auraient dû, bien plus que « Should I Stay Or Should I Go » par exemple, plus radio friendly et bien plus lisse que les 14 bombinettes pop punk ici présentes (bon allez « Cheat » est un peu cheap). Pas de production soyeuse, pas d’envie – ou pas encore les moyens – de satisfaire leur côté touche-à-tout, moins de question à se poser, juste une révolte à exprimer. A la batterie, Topper Headon donne le signal. « He’s in love with rock’n’roll woah, He’s in love with gettin’ stoned, woah » (« Janie Jones »)… Brut, cash, clash. Comme c’est bon. Mick Jones n’est pas Hendrix et ne le sera jamais mais il ne tortille pas du fion, il pond des riffs percutants qui vont droit au but. Strummer sait à peine chanter mais il y met tellement de cœur et d’entrain qu’il se révèle bien plus entrainant et convaincant que nombre de chanteurs techniquement doués mais aussi expressifs qu’un poisson clown. Cette musique n’est pas faite pour les poseurs. Quand Jones lance les hostilités et que Strummer s’engouffre pour y gueuler son rejet de l’impérialisme américain (« I’m So Bored With The USA »), de l’armée, du boulot de merde qui te sert juste à remplir ton assiette (« Career Opportunities »), on les suit. Yeux fermés et poing levé. Au rayon des tubes...

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Caspian – The Four Trees

Caspian – The Four Trees

Deux ans après la sortie de leur premier EP You Are The Conductor, Caspian sort le 10 avril 2007 son premier album, The Four Trees, qui vient de fêter ses 10 ans. Composé de 11 titres dont « ASA » et « Some Are White Light », des incontournables de la discographie du groupe, The Four Trees est une ode à la lumière. Ses morceaux instrumentaux sont tous portés par cette beauté harmonieuse dont Caspian a le secret. Les premières notes de « Moksha » suffisent à nous mettre du baume au cœur et le sourire aux lèvres. Pas de grosses prises de risques sur ce disque, les mélodies s’enchainent sur des titres plutôt courts (j’entends pour ce genre musical) mais comme toujours on retrouve cette force, ces guitares puissantes qui montent crescendo vers des notes finales épiques (« Crawlspace », « Book IX »). Néanmoins, on découvre aussi pour la première fois un morceau entièrement acoustique, « Our Breath In Winter », qui laisse entrapercevoir une nouvelle palette musicale au sein de leur univers. On retrouve également des notes acoustiques dans la magnifique « Sea Lawn ». Le mélange de ces doux accords accompagnés des loops électriques rappelant le chant des baleines nous laisse imaginer la beauté des paysages qui entourent le groupe sur La baie du Massachusetts. Emotion partagée avec talent. L’enchainement « The Dove »/« ASA » fait partie des plus belles compositions du répertoire du groupe. Éthérée et intense, l’harmonie entre ces deux morceaux nous laisse sans voix. Le quatuor nous prouvait à nouveau tout au long de cet album très cohérent qu’il n’est pas nécessaire d’apposer des paroles pour nous procurer des émotions. The Four Trees posait ainsi une nouvelle pierre à leur édifice après un You Are The Conductor prometteur, et laissait déjà présager les monuments à venir. Tertia (2009) , Waking Season (2011) , le bouleversant Hymn For The Greatest Generation (2013), et le puissant Dust And Disquiet sorti en 2015, un des meilleurs disques de rock instrumental. Aujourd’hui, Caspian continue d’évoluer et d’apporter de la variété à sa discographie en nous présentant en octobre 2016 le mini film Castles High Marble Bright, entièrement composé d’images capturées par Ryan Mackfall lors de leur dernière tournée européenne. Ce titre nous donne un magnifique aperçu de ce qu’il reste à venir. On a hâte de découvrir la suite.   ET...

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IAM – L’École Du Micro D’Argent

IAM – L’École Du Micro D’Argent

Dans quelques années quand on parlera de rap français à nos gosses, ils auront peut-être du mal à croire qu’auparavant les rappeurs déblatéraient dans le micro avec leur vraie voix sans avoir recours à des artifices dégueulasses, que ce qui les animait était de dépeindre la vie telle qu’ils la percevaient et telle qu’elle était vécue par des milliers de banlieusards n’ayant pas accès à la même exposition qu’eux. D’être la voix des sans voix comme le veut l’expression consacrée. Ils nous regarderont peut-être les yeux écarquillés quand on leur dira que ces mêmes rappeurs étaient médiatisés uniquement pour la qualité de leurs textes et non pas pour leurs frasques ou marques de sapes. On ne sera alors pas peu fier de leur dire que nous étions là il y a 20 ans pour vivre l’arrivée d’un monument du rap francophone. On leur foutra « Demain, C’est Loin » dans les oreilles et ils comprendront que tout est vrai. En 1997, IAM, étendard du rap marseillais sort donc ce qui reste à ce jour son chef-d’œuvre inégalé. Jusque-là il était respecté pour son statut de pionnier, justifié par deux premiers albums de qualité et un tube pour faire les cons en soirée (« Le Mia »). Les promesses sont là mais on ne s’attend quand même pas à un tel coup de maître. Avec L’école Du Micro D’argent, IAM déploie l’artillerie lourde. Tout pour plaire. Des instrus travaillées comme jamais, Imhotep et Kheops partent en quête du sample qui tue sillonnant les films, disques soul, funk et nous pondent des instrus comme on n’en avait jamais entendues de ce côté-là de l’Atlantique. C’est d’ailleurs en partant enregistrer une partie du disque à New York, mecque du rap underground, que les marseillais vont chercher l’inspiration. Dès le morceau titre en ouverture et son instru terriblement entrainante, on s’en prend plein la face. Parés pour la bataille. Les amateurs du Wu-Tang Clan ou de Mobb Deep auront droit à leur petite hallucination se disant qu’on n’est pas si mal en France. Au niveau des textes on n’est pas si mal non plus. Les MCs déploient un style tout terrain avec une plume aussi à l’aise dans l’égotrip pur et simple (« Un Bon Son Brut Pour Les Truands ») que dans le fait divers glaçant dépeint avec un réalisme froid (« Un Cri Court Dans La Nuit »). Le grand public découvre que le rap n’est pas qu’un truc de banlieusards pour les banlieusards. Une science de la rime, des textes d’une intelligence rare à même de parler à chacun de nous. Pas aussi intello qu’un MC Solaar, pas aussi radical que NTM ou Assassin, les marseillais ont leur créneau et livrent là « une musique pas faite pour 5...

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The Saints – (I’m) Stranded

The Saints – (I’m) Stranded

Dans le premier numéro d’une émission radio malheureusement en stand-by définitif, les chroniqueurs nous proposaient un débat un poil fallacieux : le punk est-il américain ou anglais ? Si la paternité musicale se doit de revenir aux Ramones, et la parenté du style vestimentaire et de l’attitude (qu’on pourrait qualifier de « marketing ») aux Sex Pistols, la question devient complètement inepte si on la comprend comme « qui a fait le meilleur punk ? » puisqu’à ce compte-là, c’est peut-être vers l’Australie qu’il faudrait se tourner. En 77, avant même que Never Mind The Bollocks ne mette le mot sur toutes les lèvres, un petit groupe de Brisbane sortait ce qui est certainement un des meilleurs albums du genre. Un des meilleurs albums de rock tout court. Car finalement, la force des grands groupes étiquetés punk est certainement d’avoir fait les meilleurs albums de rock possible, sans chercher à rattacher leur musique à un quelconque mouvement, et les Saints ne font pas exception. Leur musique se rapproche de celles de leurs compatriotes de Radio Birdman, avec une influence sensible des groupes de proto-punk, un son direct, incisif, et un sens mélodique certain. La recette des champions. Après avoir sorti leur premier single sur leur propre label, comme de bons adeptes du DIY, le groupe signe chez Sony pour son premier album qui reprend le single éponyme, tube imparable et lui ajoute 9 titres. Si on pourrait facilement se contenter d’appuyer systématiquement sur repeat à l’écoute de « (I’m) Stranded » et être déjà content du résultat, ce serait tout de même dommage vu ce que le disque a à offrir d’autre. Car ici, même le titre le plus anecdotique ferait figure de tube sur un disque des Sex Pistols ou des Clash, voire de chef d’oeuvre sur le premier album de Wire. Bien sûr, le gros de la musique des Saints tient à la formule citée précédemment, un rock’n roll assez essentiel joué à un tempo endiablé avec un son cru, servi par le chant désabusé mais irréprochable de Chris Bailey, mais ça n’empêche que le spectre de leurs compositions n’est pas si restreint : ils s’osent à la ballade avec « Messin’ With The Kids », pire ils réussissent l’exercice haut la main, proposent des reprises sauvages (« Wild About You » des Missing Links et « Kissin’ Cousins »), un tempo lent (« Story Of Love »), des morceaux nerveux (« Demolition Girl », « No Time », « One Way Street »), sans se donner d’impératif de durée (la très énervée « Erotic Neurotic » dépasse les 4 minutes et le « Nights In Venice » final, pas beaucoup plus lent, frôle les 6). Et pour couronner le tout,  le jeu du guitariste Ed Kuepper saute aux oreilles tant il étoffe sans jamais être dans la surreprésentation. Ni trop limité, comme...

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Pearl Jam – No Code

Pearl Jam – No Code

(Attention je vais vous raconter ma vie. Si vous voulez fuir, il est encore temps…) J’aime beaucoup ma famille. Et dans la famille Pearl Jam c’est sacré. Le premier concert que j’ai vu, à l’âge de 11 ans ? Pearl Jam. En 96 au zénith avec mon père, ma mère, mes frères et mes soeurs. Et c’était le bonheur. Bon, pas exactement. Plutôt mon père, mon frère, ma tante et mon cousin. Mais c’était le bonheur, pour sûr. Et cette tournée-là, c’était la tournée de No Code. Et à l’époque, on était dégoûtés parce qu’on l’aimait pas. Enfin, pour être tout à fait honnête, on m’a dit qu’il était nul et je les ai crus. No Code c’était presque devenu le sujet à ne pas aborder à table. Si quelqu’un avait le malheur de prononcer le nom de ce disque, c’était suivi d’un silence gêné. Bref je ne l’aimais pas, personne ne l’aimait c’était un peu le vilain petit canard. Pour moi c’était acté, j’étais passé à autre chose (à Yield pour être exact, et c’était de nouveau le bonheur). Et puis un jour, genre 15 ans plus tard, alors que pour la 425e fois on avait une discussion enflammée sur la discographie de Pearl Jam, je lâche un définitif « de toutes façons, à part No Code (gniark gniark), ils sont tous mortels les premiers albums ». Et là, on me sort un « ba il est trop bien aussi No Code… » Whaaaaaat !!! Mon monde s’écroule alors, ce disque que j’ai totalement snobé parce qu’on m’avait fortement invité à le faire, avait été réhabilité dans le plus grand secret… Dès lors, je me suis attelé à rattraper le temps perdu. Et depuis c’est le bonheur. Il faut dire qu’il n’y a pas que ma famille qui a mis du temps à assimiler/accepter/apprécier No Code. D’abord, parce qu’il a eu le malheur de succéder à un Vitalogy d’anthologie salué par tous, ou presque (exception faite des anti Pearl Jam primaires rejetant tout en bloc avec des arguments massues genre « j’aime pas Vedder, il a les cheveux trop longs »). Passer après un tel monument n’est évidemment pas chose aisée, et le contexte est également très particulier. La tournée qui suit Vitalogy est largement tronquée, en raison de la guerre menée contre l’ogre Ticketmaster. Une guerre un peu vouée à l’échec, assez éreintante, et qui aura vu le groupe dans son acharnement anti-commercial (aucune interview donnée, aucun clip sorti) s’éloigner d’une partie de ses fans, un rien frustrés par la radicalité de la démarche. No Code déboule alors, et rompt assez radicalement avec ses prédécesseurs. On ne va pas se mentir, malgré l’immense talent que je leur reconnais, les Pearl Jammeux n’ont jamais...

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Nick Drake – Pink Moon

Nick Drake – Pink Moon

En ce jour funeste*, qui voit la disparition du poète et chanteur canadien Léonard Cohen, auteur de quelques-unes des plus belles chansons du siècle dernier (écoutez « Hallelujah », qu’avait repris si magistralement Jeff Buckley sur l’album Grace). On a l’impression d’entendre un ange tombé du ciel. Léonard Cohen première victime collatérale de la sinistre marionnette Trump. Mais je m’égare, en ce jour maudit disais-je, j’ai envie de vous parler d’un autre poète chanteur, qui n’a malheureusement pas eu la reconnaissance de son talent de son vivant, et qui est mort très jeune, totalement inconnu dans une solitude extrême. Je voulais vous parler de Nick Drake, artiste maudit s’il en est, et autre ange tombé du ciel. Nick Drake, est unanimement reconnu depuis, bien sûr, comme c’est souvent le cas, reconnaissance et estime post mortem. De nombreux chanteurs lui vouent un culte et ne tarissent pas d’éloge sur son talent immense. Peter Buck, Robert Smith, Lou Barlow en font partie (excusez du peu). C’est même en écoutant tout jeune Five Leaves Left qu’il se dit que même un mec timide, voire introverti, peut passer ses émotions dans la musique et écrire des chansons. Et quelles chansons ! Aujourd’hui, si je vous parle de Nick Drake, c’est que Pink Moon, son troisième et dernier album a été publié il y a 45 ans. Dernier disque, brut de fonderie, aucune fioriture sur ces titres concis (l’album ne dure que 28 minutes). Nick seul à la guitare et au chant. On ne peut faire plus dépouillé et moins commercial. Nick Drake a 24 ans, deux albums au succès limité derrière lui. Et pourtant deux chefs-d’œuvre ignorés de son vivant qui trouveront avec le temps des cohortes de fans qui découvriront le génie de ce chanteur compositeur. Nick Drake, éprouvé par les échecs relatifs de ses deux premiers disques choisit l’épure comme ligne directrice, lorsqu’il enregistre en deux nuits onze chansons. Rupture totale avec le style des deux albums précédents Five Leaves Left et Bryter Layter à la production riche, et aux nombreuses harmonies complexes, piano, cordes, guitares. Jetant tout ce qu’il a d’émotion et de passion dans ces séances, qui verront la naissance de Pink Moon. Bien que jugé par ses fans comme son meilleur album, l’échec commercial sans appel du disque enfonce Nick Drake plus profondément dans la dépression qui le mine depuis toujours. Très affecté par le rejet public du disque, Nick Drake abandonne la musique et se retire définitivement chez ses parents. Deux ans plus tard, il décède d’une overdose d’anti dépresseur. Triste fin pour un jeune génie de 26 ans incompatible avec le succès, et le monde dans lequel il vivait. L’éponyme « Pink Moon » en ouverture, sur laquelle il a...

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Low – I Could Live In Hope

Low – I Could Live In Hope

Ceux qui ne me connaissent qu’au travers de certaines chroniques sont au courant de mon penchant pour la musique un peu brusque (« de bourrin » diront certains) : grunge, metal, fusion, punk, garage… Ils seront donc peut-être un peu surpris de me voir chroniquer un des albums les plus lents et doux de l’univers. Car, bien sûr, on n’écoute pas Low pour se passer les nerfs, hurler sa rage, assouvir ses envies de rébellion envers une société trop injuste ou simplement un épi récalcitrant. On écoute Low pour se détendre, se plonger dans une méditation intense ou simplement pour kiffer sa race. Le premier Low, particulièrement, est un bijou de pureté. Très vite se dégage le sentiment que rien ne doit être déplacé, qu’on nous a posé là en face d’une succession d’accords, de notes, d’accompagnements, de rythme parfaitement agencés et qu’on nous aurait chuchoté à l’oreille « voici la perfection, merci de ne pas la déranger« . Quand les notes s’éternisent, quand les échos s’amoncellent, toute perturbation extérieure perd tout intérêt. Low suspend le temps, fait le vide autour de nous. Low nous capture et nous captive, plus rien n’a d’importance. Seul compte le moment présent. Pour tous les excités du bulbe, Low fait l’éloge de la lenteur et de la procrastination (l’incroyable « Words » en ouverture,  « Lazy »). La durée est secondaire,  « Lullaby » s’éternise (près de 10 minutes) sans qu’on ne trouve rien à y redire et tutoie les cimes en même temps que la voix (quelle voix !) de Mimi Parker s’envole. La basse est profonde, les guitares cristallines et les voix viennent compléter ce merveilleux décor de poésie sombre. Tout n’est que subtilité et délicatesse, l’épure est de mise. Pas une note de trop à déplorer. Alan Sparhawk et Mimi Parker, couple dans la vie et dans le groupe, ne font qu’un. L’osmose est totale. Ils nous poussent hors de contrôle (« Down »). I Could Live In Hope, se nomme donc ce rêve éveillé, et nous pourrions effectivement vivre en caressant le doux espoir que la perfection est atteignable à plusieurs reprises. Un espoir voué à être déchu, évidemment. Même Low, en dépit de moult merveilles disséminées tout au long de son immense carrière, n’est pas parvenu à nous faire oublier cet incroyable disque. On serait presque prêt, comme Alan et Mimi, à se convertir au mormonisme si c’était le moyen, un jour, d’avoir droit à la réédition de I Could Live In Hope en vinyle…...

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The Lemonheads – The Lemonheads

The Lemonheads – The Lemonheads

En 2006, personne n’aurait parié un centime sur la reformation des Lemonheads. Séparés presque aussitôt après un Car Button Cloth néanmoins convaincant, 10 ans auparavant, et malgré quelques disques solos d’Evan Dando, le groupe de Boston est passé en une décennie de future nouvelle sensation à artistes dont le nom évoque vaguement quelque chose à ceux qui étaient jeunes à l’époque. Au milieu des années 2000, il faut être connaisseur pour se rappeler des Lemonheads, particulièrement pointu pour se souvenir de leur musique. Dans l’indifférence quasi-générale, un peu comme leurs voisins de Dinosaur Jr, les têtes de citron jouent le jeu de la reformation. La différence majeure, c’est que ces derniers n’ont pas eu un line-up très stable depuis la fin des années 80, n’étant de fait que le groupe d’Evan Dando. Ainsi, quand on parle de reformation, il faut s’entendre : Dando choisit simplement de s’entourer à nouveau de musiciens et de bosser à trois plutôt que de le faire tout seul dans son coin. Et il décide également de faire appel à l’australien Tom Morgan qui a déjà offert quelques tubes au groupe, mais comme pour le précédent album uniquement pour ce qui est de la composition. Pour ce qui est du backing band, Dando recrute Bill Stevenson et Karl Alvarez des Descendents ; on fait pire. Si on est triste de savoir aujourd’hui que cette reformation aura été de courte durée, il serait dommage de passer à côté de l’excellent album qu’elle a produit. Sobrement intitulé Lemonheads, celui-ci est un véritable retour en grâce pour Evan Dando, car s’il est malheureusement plus connu pour sa belle gueule et ses frasques avec la drogue, il prouve une fois de plus qu’il sait composer des pépites power pop comme il respire. Et si les mauvaises langues pourraient mettre en avant que « Become The Enemy » ou « No Backbone », deux des titres les plus mémorables, ne sont pas de lui, son interprétation est irréprochable et sa voix, l’une des plus belles des années 90, est pour beaucoup dans leur efficacité. Musicalement, on est toujours dans de la power pop qui n’hésite pas à donner dans les tempos lents (« Become The Enemy », « Baby’s Home », « Let’s Just Laugh ») mais qui ne renie pas ses origines punk pour autant (« Poughkeepsie », « Black Gown » ou « Pittsburgh ») sans jamais vraiment se défaire d’une certaine mélancolie. Tout en étant profondément pop, les morceaux peuvent aussi partir dans leurs petits délires bordélico-noisies comme le démontre le final « December ». Bref, on n’est dépaysé ni par le style ni par le niveau moyen. Par ailleurs, les thèmes abordés démontrent d’une certaine maturité, on a beau être dans un disque de power pop hérité des 90s, on n’est pas non plus dans...

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A Tribe Called Quest – We Got It from Here… Thank You 4 Your Service

A Tribe Called Quest – We Got It from Here… Thank You 4 Your Service

2016 aura été une belle salope. Elle nous aura pris David Bowie, Phife Dawg, Leonard Cohen, Prince (et à quelques jours près Lemmy mais on était encore en 2015… 2015 aura été un sacré enfoiré aussi. On n’est pas prêt de l’oublier.) Tous ces grands noms sont partis et, comme un ultime pied de nez, les trois premiers cités nous auront prouvé une fois de plus qu’on les regretterait éternellement avec des albums offerts, dans un dernier soupir, dotés du supplément de classe qui a caractérisé leur carrière. Pourtant, pour Phife Dawg, ça puait le traquenard à plein nez. Honnêtement, quand un nouvel album de A Tribe Called Quest a été annoncé 18 ans après le dernier, quelques mois seulement après la mort du MC, je l’ai vu d’un œil extrêmement méfiant. Réaction logique, à un détail près : on parle de A Tribe Called Quest là. Et ces gens-là quand ils se mettent au boulot ne savent faire autre chose que pondre des classiques instantanés. Q Tip avait prévenu en ouverture d’album : ils n’étaient pas venus pour sucrer les fraises, répétant tel un leitmotiv « Gotta make something happen ». Et il a tenu parole. Quelque chose s’est produit, incontestablement. Lorsqu’on s’enfile l’album en entier (1h quand même) pour la première fois, on perçoit d’emblée l’énorme potentiel de l’objet. On le réécoute pour être sûr de pas avoir déliré et finalement le constat se dessine de façon de plus en plus implacable : ce disque est une tuerie. Même la présence un brin incongrue d’Elton John sur « Solid Wall Of Sound » (et pas seulement en sample de « Benny And The Jets ») évite largement le fiasco, tant les évolutions du morceau (hyper riche !) sont cohérentes et maîtrisées. A côté de ça, il y a de pures bombes comme on n’en fait plus, de celles dont la grande majorité des rappeurs actuels courent après toute leur carrière. De celles qu’A Tribe Called Quest a l’habitude d’aligner comme des perles (« We The People », « Kids » avec Andre 3000 d’Outkast qui sans surprise est parfaitement à sa place, « Dis Generation », « Ego », on pourrait tous les citer…). Quel bonheur d’entendre une dernière fois la verve de Phife Dawg, entouré de ses acolytes de toujours (y compris Jarodi White, signant un retour remarqué au sein de sa formation d’origine). Et quelle chance qu’ils s’expriment sur une production aussi aboutie, d’une variété impressionnante. Rien à voir avec la chance toutefois, mais plutôt avec le talent de Q Tip et de Blair Wells (épaulés notamment par Kanye West, qui, sans en faire des caisses – ça change – nous a dégoté un sacré sample de...

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